Flott Louis-stil. Stor stil av kong Louis XIV
«Stylen til Ludvig XIV» la grunnlaget for internasjonal europeisk hoffkultur og sikret med sin triumf en vellykket formidling av ideene til klassisismen og kunstnerisk stil Nyklassisisme i andre halvdel av 1700-tallet - tidlig XIXårhundrer i de fleste europeiske land. Annen viktigste funksjonen epoken med "Grand Style" er at det var på dette tidspunktet ideologien og formene for europeisk akademiskisme endelig tok form. I 1648, på initiativ av "kongens første maler" Berger O. Verdenshistorien// Ny historie T. 3, St. Petersburg, 1999. S.171. Lebrun grunnla Royal Academy of Painting and Sculpture i Paris. I 1666 ble det franske malerakademiet opprettet i Roma. I 1671 ble Royal Academy of Architecture organisert i Paris. F. Blondel den eldre ble utnevnt til dens direktør, og A. Felibien ble utnevnt til sekretær. "Big style" krevde store penger. Det kongelige hoff, hoffaristokratiet, akademiene og den katolske kirke klarte å skape et miljø, i det minste innenfor hovedstadens radius, hvor dyre mesterverk oppsto. Først av alt var det nødvendig med bygging av grandiose arkitektoniske ensembler. De offisielle stillingene "arkitekt til kongen" og "første arkitekt til kongen" ble introdusert.
Alt byggearbeid ble utført av verftsavdelingen. I 1655-1661. arkitekten L. Levo bygde Vaux-le-Vicomte-palasset for N. Fouquet, den "kongelige kontrolløren av finanser". Parken i den vanlige stilen ble anlagt av A. Le Nôtre, interiøret ble briljant designet av C. Lebrun. Palasset og parken vakte så sterk misunnelse av kong Louis at minister Fouquet ble kastet i fengsel på det første påskuddet, og Levo og Le Nôtre ble beordret til å bygge noe mer grandiost i Paris og Versailles. I 1664-1674. Byggingen av den østlige fasaden fullførte det arkitektoniske ensemblet til Louvre, den viktigste kongelige residensen i Paris. Den østlige fasaden kalles "Colonnade of the Louvre" på grunn av den kraftige raden med doble kolonner i "den store ordenen". Kolonner med korintiske hovedsteder hevet over første etasje og spenner over andre og tredje etasje, og skaper et kraftig, stramt og majestetisk bilde. Kolonnaden strekker seg 173 meter. Historien om opprettelsen av dette mesterverket er interessant. Den enestående mesteren av den modne romerske barokken, J. L. Bernini, ble invitert til å delta i konkurransen. Han presenterte et barokkprosjekt med forseggjort buede fasader, rike på mange dekorative elementer, men franskmennene foretrakk sine egne, hjemlige, mer strenge og klassiske. Forfatteren viste seg ikke å være en profesjonell byggmester, men en lege som var glad i arkitektur og på fritiden oversatte Vitruvius' avhandling til fransk. Det var C. Perrault. Han forsvarte utelukkende de eldgamle, eldgamle italienske grunnlagene for klassisistisk arkitektur. Sammen med C. Perrault deltok F. de Orbe og L. Levo i byggingen av Louvre, som skapte de nye nordlige og sørlige fløyene til V.B. Lysyan-palasset. Ludvig XIV om staten og kongemakten // Ny og nyere historie nr. 5 M., 2002. S.145..
Under Ludvig XIVs regjeringstid ble arkitekten og festningsmannen S. de Vauban berømt; han bygde over tretti nye befestede byer og rekonstruerte mange gamle. L. Levo ble forfatteren av to enestående bygninger som hadde en betydelig innflytelse på utviklingen av arkitekturen til europeisk klassisisme: Hotel Lambert (1645) og ensemblet til "College of the Four Nations" ("Institute of France"; 1661-1665). Nær College de France i 1635-1642. arkitekten J. Lemercier bygde Sorbonne-kirken med en fasade i italiensk barokkstil (den inneholder graven til kardinal Richelieu, rektor ved universitetet). Som Collège de France-kapellet er Sorbonne-kirken kronet med en "fransk kuppel", uvanlig for den tiden. I 1671-1676. L. Bruan reiste et kompleks av bygninger for Invalides for krigsveteraner på venstre bredd av Seinen. I 1679-1706. arkitekten J. Hardouin Mansart kompletterte dette ensemblet med sitt mesterverk - Invalideskirken. Kuppelen med forgylte ornamenter, "lanterne" og spir er synlige på avstand. Kirkene ved Institutt for Frankrike, Sorbonne og Invalides var en ny type klassisistisk bygning, sentrisk i plan, med en portiko, trekantet pediment og kuppel på en trommel med søyler eller pilastre. Denne komposisjonen - den såkalte "franske ordningen" - dannet grunnlaget for mange påfølgende arkitekturverk av europeisk klassisisme på 1700- og 1800-tallet, inkludert i Russland. I 1685-1701. I følge prosjektet til J. Hardouin-Mansart ble Place Louis the Great (senere Place Vendôme) opprettet i sentrum av Paris. Rektangulært i plan, med avkuttede hjørner, ble det tenkt som et seremonielt ensemble til ære for solkongen. I sentrum sto en rytterstatue av Ludvig XIV av F. Girardon (1683-1699); ødelagt under revolusjonen i 1789. Fasadene til bygningene som rammer inn torget har samme type portikoer, noe som gir komposisjonen integritet og fullstendighet. Et annet torg til ære for kongen, også designet av J. Hardouin-Mansart, er "Victory Square" (Place des Victoires) opprettet i 1685. Det ble dekorert med en rytterstatue av Ludvig XIV av den nederlandske billedhuggeren M. fan Len Bogart (kallenavnet Desjardins); ødelagt under revolusjonen i 1792 (restaurert av M. Bosio i 1822; se Cavallo).
I 1672, i henhold til utformingen av lederen av Royal Academy of Architecture, F. Blondel den eldste, ble Saint-Denis-buen reist til ære for seirene til franske våpen - kryssingen av hæren til kong Louis på tvers av Rhinen. Blondel tenkte om formen til den romerske triumfbuen og skapte en ny type struktur, "Grand Style". Basrelieffene av buen, basert på skissene til Charles Lebrun, ble laget av skulptørene Angier-brødrene. Fra 1676 utviklet Blondel en ny hovedplan for Paris, som inkluderte opprettelsen av store arkitektoniske ensembler og perspektiver. F. Blondel var en fremragende teoretiker; i sitt "Course of Architecture" (1675) hevdet han at grunnlaget for den klassisistiske stilen ikke ligger "i etterligning av Roma", men i rasjonell tenkning og nøyaktig beregning av proporsjoner. Skaperen av Colonnade of Louvre, C. Perrault, kranglet med ham. I 1691 ble en annen teoretisk avhandling under samme tittel: "Course of Architecture" utgitt av Sh.-A. de Aviler. I 1682 forlot Ludvig XIV Paris og domstolen flyttet til en forstadsbolig - Versailles.
Denne gesten blir sett på som kongens ønske om å skape en ny strålende hovedstad, som kun er forbundet med navnet hans. Blant skulptørene av "Grand Style", F. Girardon, A. Coisevo, N. Coustu (hvis yngre bror er kjent for gruppene av "Marley-hester"), P. Puget, J. Sarazin, J.-B. Rør. Under Ludvig XIVs regjeringstid arbeidet to fremragende malere: C. Lorrain og N. Poussin. De jobbet i Italia og var i deres ambisjoner langt fra den pompøse "Big Style". En overbevist romanforfatter, C. Lorrain er en landskapsmaler, lyriker og romantisk. N. Poussin skapte mesterverk som legemliggjør ideene om "ren" romersk klassisisme, som også romantisk legemliggjør antikkens harmoni. Til tross for kongens krav, ønsket ikke Poussin å jobbe i Frankrike og være hoffmaler. Derfor ble laurbærene til en hoffmaler først vunnet av den kalde og kjedelige akademikeren S. Vuz, og deretter av hans student P. Mignard. I løpet av de samme årene blusset den berømte striden mellom "Poussinistene" (tilhengere av klassisismen) og "Rubenistene" (tilhengere av barokken) opp. Ved Royal Academy of Painting ble "Poussinistene" støttet av C. Lebrun, og "Rubenistene" av P. Mignard og Roger de Pille. Ch. Lebrun æret Raphael og Poussin og dedikerte spesielle forelesninger ved akademiet til disse kunstnerne; i 1642 fulgte han med Poussin til Italia og arbeidet en tid ved siden av ham i Roma. Men det er karakteristisk at "Poussin-Rubens" (klassisisme-barokk) dilemmaet, reflektert innenfor veggene til Paris-akademiet av Lebrun-Mignard-konfrontasjonen, mistet sin mening, så likt var det akademiske maleriet: akademiskismen utjevnet forskjellene i stil. . Rettsportrettene av «den store statuetten, eller høye, stilen» skapt av S. Vouet og P. Mignard kalles noen ganger «barokkakademisk». Fra veggene til Apollo-galleriet i Louvre ser franske konger og datidens beste kunstnere i Frankrike på oss - i alle portrettene er det et merkbart foraktende, nedlatende uttrykk, og i ansiktet til solkongen (portrett av Lebrun) er det en foraktelig grimase. Det samme uttrykket er i et verk med storslått maleri og komposisjon - et portrett av Ludvig XIV av I. Rigaud. De fleste av maleriene til "kongens første maler" Ch. Lebrun er de kjedeligste eksemplene på akademisk klassisisme Lysyanov V.B. Ludvig XIV om staten og kongemakten // Ny og nyere historie nr. 5 M., 2002. S.147..
I Louvre er det en stor sal helt fylt med enorme lerreter av Charles Lebrun, det er uutholdelig å se på dem. Samtidig er «Portrait of Chancellor Seguier» (1661), hans eget verk, et meget utsøkt verk når det gjelder maleri. Disse motsetningene gjenspeiler nyansene i Grand Style-æraen. Et betydelig bidrag til kunsten å seremonielle portretter i "statuary stil" ble gitt av fremragende gravører J. Morin, C. Mellan, R. Nanteuil, J. Edelinck. Maleren N. de Largilliere, som i likhet med mange andre portrettmalere arbeidet under påvirkning av A. Van Dyck, malte sekulære skjønnheter i form av eldgamle gudinner og nymfer på bakgrunn av et skoglandskap, som forutså trekkene til Rokokkostil fra midten av neste århundre. På 1600-tallet I Frankrike ble de beste verkene innen sjangeren ornamental gravering skapt, for å si det mildt: sjangeren selv ble skapt. Komposisjoner av J. Lepôtre, D. Marot den eldste og J. Marot den eldre, samlet i store album ("Vaser", "Portals", "Plafonds", "Cartouches", "Peisene", "Borders") demonstrerte perfekt hovedtrekk "Grand Style", spredte de seg til mange land og hadde en betydelig innflytelse på utviklingen av dekorativ kunst i hele Europa. Ved å jobbe i denne sjangeren ble artistene ikke regulert av handlingen og kundenes krav; de ga fritt spillerom til fantasien, og utarbeidet individuelle formelle elementer i stilen til perfeksjon.
Fremveksten av stil
Stor stil- (fransk "Grand maniere", Le style Louis Quatorze) - den kunstneriske stilen i en av de mest levende periodene i Frankrikes historie, "gullalderen" for fransk kunst i andre halvdel av 1600-tallet.
Assosiert med regjeringen til kong Ludvig XIV (1643-1715), derav navnet. Denne stilen kombinerer elementer av klassisisme og barokk. Med sin figurative struktur uttrykte "Grand Style" ideene om triumfen av sterk, absolutt kongemakt, nasjonal enhet, rikdom og velstand, derav dens epitet. Le Grand.
I 1643 ble den fem år gamle arvingen til tronen, Ludvig XIV, Frankrikes overhode, og hans mor, dronning Anne av Østerrike, ble regent. Politikken ble bestemt av den første ministeren, den allmektige kardinal Mazarin. Til tross for folkets hat mot den italienske kardinalen og motvilje mot den "østerrikske dronningen", samlet ideen om behovet for varig absolutt makt som en uunnværlig betingelse for utviklingen av den franske nasjonen og foreningen av landet de ledende sinnene til tiden – politikere, adel, forfattere og kunstnere – rundt tronen. I 1655 uttalte den unge kongen den berømte setningen på et møte i parlamentet: "L"Etat, c"est moi!" ("State, det er meg!"). Og hoffmennene, ikke uten smiger, ga ham selvfølgelig kallenavnet "Roi Soleil" - "Solkonge" (som alltid skinner over Frankrike). Finansministeren til «Solkongen» J.-B. Colbert "overvåket" utviklingen av arkitektur og aktivitetene til akademiene. I 1663 organiserte Colbert "Academy of Inscriptions", spesielt for å komponere inskripsjoner for monumenter og medaljer som forherliger kongen. Kunst ble erklært som et statlig anliggende. Kunstnere fikk direkte instruksjoner om å glorifisere ubegrenset kongemakt, uavhengig av midler.
Den "store stilen" skulle reflektere de nye idealene om absolutisme. Han kunne bare være det Klassisisme, assosiert med storheten til de gamle grekerne og romerne: den franske kongen ble sammenlignet med Julius Caesar og Alexander den store. Men den strenge og rasjonelle klassisismen virket utilstrekkelig storslått til å uttrykke triumfen til et absolutt monarki. I Italia på den tiden dominerte stilen Barokk. Derfor er det naturlig at franske kunstnere vendte seg til formene for moderne italiensk barokk. Men i Frankrike kunne ikke barokken vokse ut av klassisismens arkitektur like kraftig som i Italia.
Siden epoken Fransk renessanse XVI århundre her i landet ble klassisismens idealer etablert, hvis innflytelse på kunstens utvikling ikke ble svekket før sent XIXårhundrer. Dette er hovedfunksjon"Fransk stil". I tillegg slo klassisistiske former rot på en annen jord enn i Italia, fra de sterke nasjonale tradisjonene i romansk og gotisk kunst. Dette forklarer bare hvorfor individuelle elementer, og de viktigste formative prinsippene for kunsten fra Louis XIVs epoke forble klassisismens ideer. I utformingen av bygningsfasader ble den strenge klassisistiske ordensdesignen til veggene bevart, men barokke elementer var til stede i interiørdetaljene, espalier og møbler.
Innflytelsen fra statsideologien var så stor at fra den tid av begynte individuelle stadier i utviklingen av kunst i Frankrike å bli utpekt ved navn på konger: stilen til Louis XIV, stilen til Louis XV, stilen til Louis XVI. . Skikken med dette navnet ble senere reversert tilbake til tiden før Ludvig XIVs regjeringstid. Et annet viktig trekk ved epoken var at det var i Frankrike i andre halvdel av 1600-tallet selve begrepet kunstnerisk stil tok form. Før dette, i Italia, ble klassisismens ideer, som nettopp begynte å ta form, umiddelbart erstattet av mannerisme og barokk.
Klassisismen som en kunstnerisk bevegelse tok form i Frankrike og siden da, ikke Roma, men Paris begynte å diktere mote i kunsten og dens rolle ble ikke svekket i løpet av de påfølgende 1700-, 1800- og 1900-tallet. For første gang i historien, i Frankrike under Ludvig XIVs tid, begynte stilen å bli anerkjent som den viktigste kategorien av kunst, estetikk, og ble normen for livet, hverdagen og moralen, og gjennomsyret alle aspekter av rettsetiketten ( et ord som også dukket opp ved hoffet til Ludvig XIV). Sammen med bevisstheten om stil kommer estetisering av individuelle formelle elementer, dyrking av smak og en "sans for detaljer." Denne funksjonen har blitt en tradisjon, som i løpet av flere tiår har skapt en spesiell "formfølelse", plastisk kultur og finesse i tenkning som er iboende spesifikt i den franske skolen. Men denne kulturen utviklet seg ikke lett. Til å begynne med ble renessanseidealet om en holistisk, statisk, selvbalansert form (noe rystet av manerisme og barokk) erstattet av ideen om estetisering av "tilfeldige gleder" og individuelle midler for å oppnå skjønnhet: linje, maling, tekstur av materiale. I stedet for kategorien komposisjon (compositio), fremsatt av den italienske arkitekten og teoretikeren L. B. Alberti, introduseres begrepet «blandet sammensetning» (lat. mixtum compositura). Denne fragmenteringen begynte med italienske manneristkunstnere som jobbet ved hoffet til Francis I og deretter Henry II ved skolen i Fontainebleau. Deres franske studenter, som jobbet i grevene og kongeslottene langs elven. Loire og i selve Paris dannet etter hvert en aristokratisk formkultur, som senere lyste i rokokkostilen på 1700-tallet, men den bar sine første frukter på 1600-tallet. "Kanskje innflytelsen fra fransk kunst på livet til de øvre lagene i det europeiske, inkludert det russiske samfunnet, var sterkere på 1700-tallet, men grunnlaget for Supremacy fransk, manerer, mote, fornøyelser ble utvilsomt lagt ned på tiden til "solkongen".
Det er ingen tilfeldighet at andre halvdel av 1600-tallet kalles «den mest strålende perioden i fransk historie». De vanligste ordene, ofte gjentatt i memoarer og estetiske avhandlinger fra den tiden: stor, storhet, luksuriøs, festlig ... Sannsynligvis skapte prakten til hoffkunstens stil inntrykk av en "evig feiring av livet." Ifølge den berømte memoaristen Madame de Sevigne var hoffet til Ludvig XIV alltid "i en tilstand av nytelse og kunst"... Kongen "lytter alltid på en slags musikk, veldig hyggelig. Han snakker med damene som er vant til denne æren... Festlighetene fortsetter hver dag og midnatt.» I det "strålende syttende århundre" ble stil, etikette og måte en ekte mani. Derav moten for speil og memoarer. Folk ønsket å se seg selv utenfra, å bli tilskuere av sin egen positur. Blomstringen av hoffportrettkunsten lot ikke vente på seg. Luksusen med palassmottakelser overrasket utsendingene til europeiske domstoler.
I Grand Gallery of Palace of Versailles ble tusenvis av stearinlys tent, reflektert i speilene, og kjolene til hoffdamene var «så fulle av juveler og gull at de nesten ikke kunne gå». Ingen av de europeiske statene våget å konkurrere med Frankrike, som da var på toppen av sin glans. "Big Style" dukket opp til rett tid og på rett sted. Den reflekterte nøyaktig innholdet i epoken - men ikke dens faktiske tilstand, men sinnets stemning. Kongen selv hadde liten interesse for kunst, han førte ærefulle kriger som utmattet statens styrke. Og folk så ut til å prøve å ikke legge merke til dette, de ønsket å se ut slik de så ut for seg selv i fantasien. Hvilken arroganse! Når man studerer denne epoken, får man følelsen av at dens største kunstnere var skreddere og frisører. Men over tid har historien satt alt på sin plass, og bevart for oss de store verkene til arkitekter, skulptører, tegnere og gravører. Manien for stil og den franske "storstilte måten" spredte seg raskt over hele Europa, og overvant diplomatiske og statlige barrierer. Kunstens kraft viste seg å være sterkere enn våpen, og Berlin, Wien og til og med prim London kapitulerte for den.
I Frankrike var det 16 konger med navnet Ludvig, men de tre siste satte sitt preg på interiørdesign: Ludvig XIV, Ludvig XV og Ludvig XVI. Hele stiler er oppkalt etter dem - Louis- eller Louis-stilene med det tilsvarende serienummeret.
Under solkongens regjeringstid ble Frankrike ikke bare en sterk makt, men også en trendsetter innen arkitektur og interiørdesign, og presset Italia i bakgrunnen. Pomp og storhet skiller alt som ble skapt på den tiden: arkitektur, interiør og møbler. Kanskje det er nettopp derfor stilen til Ludvig XIV er elsket av maktene som finnes?
Ludvig XIV (regjering 1643-1715). Den lange 72-årige regjeringen til Ludvig XIV skjedde under barokktiden. Under hans regjeringstid ble Versailles bygget og Versailles Park ble anlagt. Det er Ludvig XIV som menes først og fremst når de snakker om interiøret «Louis-stilen» (det kalles også «den store Louis-stilen», den er basert på klassisisme og inkluderer barokke elementer) Fra møbler og innredning under solen Konge, krystalllysekroner dukket opp, forgylte utskårne luksuriøse rammer, og en forkjærlighet for å leke med plass ved hjelp av speil.
Ludvig XIV
A. Coypel Allegori om herligheten til Ludwig XIV
Ludvig XIV, med kallenavnet solkongen for glansen og prakten som denne monarken omringet seg med og som fulgte med hans regjeringstid. Louis XIV beskyttet kunstnere, poeter, dramatikere og komponister, så hans regjeringstid ble en tid med enestående blomstring av fransk kultur.
Slottet Vaux-le-Vicomte (1658-1661) kostet sin eier, finansmannen Ludvig XIV, hans frihet og formue: da den sjalu kongen så den luksuriøse eiendommen, sendte han umiddelbart Fouquet i fengsel og konfiskerte slottet.
N. Poussin. Dans til tidens musikk. 1636
Ludvig XIV drømte om å opphøye sin regjeringstid ved å bygge et storslått palasskompleks, uten sidestykke i prakt, ikke bare i Frankrike, men i hele Europa. Denne drømmen ble kongens besettelse, som han realiserte i mange år, som et resultat av at det berømte palass- og parkensemblet dukket opp nær Paris - i Versailles, som i dag kalles "Nasjonalmuseet for palassene i Versailles og Trianon".
Slottet i Versailles ble bygget av samme team som Vaux-le-Vicomte. Kongens ordre «som Fouquets, men kulere» ble utført nøyaktig. Andre Charles Boulle, hoffmester for Ludvig XIV, gikk over i historien som den mest kjente (og nå dyre) møbelsnekkeren og skaperen av «Boulle intarsia»-stilen.
Møbler i Louis XIV-stil
Rokokko og nyklassisisme (1715-1800) Den påfølgende Louis (XV og XVI) ga også Frankrike sin egen stil: leken og blomstrende rokokko i det første tilfellet, mer streng og behersket nyklassisisme i det andre. Selv den skjøre og lunefulle dronning Marie Antoinette, med sin kjærlighet til naturen og "enkle" liv, klarte å sette et preg på innredningens historie. Marie Antoinette endte dårlig, men etterlot seg et godt minne om seg selv.
Ludvig XV. Portrett av van Loo, (regjering 1715-1774)
Louis XV var ikke særlig musikalsk, han oppmuntret egentlig ikke til musikk, han likte skulptur og maleri, men han viet seg til arkitektur med ekte lidenskap. I regi av Louis XV, Place Louis XV (nå Place de la Concorde), en av de største og vakreste torgene i Europa. Dette torget har endret mange navn. Først var det Louis XVs plass, deretter revolusjonen, så Concorde, så igjen Ludvig XV, så Louis XVI, igjen for tredje gang av Ludvig XV, og i 1830 igjen og til i dag er det Place de la Concorde I 1748 beordret prosten i Paris billedhuggeren Bouchardon en statue av Ludvig XV til ære for gjenopprettelsen av den "elskede kongen". Tvister begynte om plasseringen av monumentet. Vinneren var prosjektet til arkitekten Gabriel, som så for seg bruken av den enorme esplanaden mellom Tuileries-hagen og Champs Elysees - stedet for aristokratiets turer på landet. Veien til Versailles begynte akkurat der 30. mai 1770 var det ball på torget med et grandiost fyrverkeri til ære for ekteskapet til Dauphin Louis (den fremtidige Ludvig XV1) med den østerrikske prinsessen Marie Antoinette. Den eneste inngangen til torget fra byen på den tiden var den fortsatt uferdige Royal Street (fra Madeleine-kirken); og vognene som forlot det, falt under vinstrømmene som fosset fra fontenene. En av rakettene, dårlig avfyrt, falt på en bue sammenflettet med papirblomster, og hele tempelet til Hymen, bygget av lameller og blomster, tok fyr. Panikk og panikk begynte. Dagen etter denne «vandringen» ble 133 lik samlet inn fra torget. Det var en messe der i en måned, som også endte i brann.
Ragne Nicolas-Jean-Baptiste
I 1792 ble statuen av kongen kastet av sokkelen og sendt for å bli smeltet ned for kanoner.«Frihet, frihet! Hvor mange forbrytelser har blitt begått i ditt navn!» sa Madame Rolland og klatret opp på stillaset som var installert ved siden av sokkel av den ødelagte statuen av kongen. Giljotinen flyttet snart til Place Carrousel, på den andre siden av Tuileriehagen, men den 21. januar 1793 ble den returnert hit igjen spesielt for henrettelsen av Ludvig XVI. Slik at ingen hørte de siste ordene fra kongen, tidligere side Louis de Beaufranche, den naturlige sønnen til Ludvig XV og en hoffmann, befalte henrettelsen. dansere, det vil si onkelen til den henrettede kongen, beordret trommeslagerne til å slå takten uten å stoppe, "til Hans Majestets hode faller ned i kurv.» Denne gangen sto giljotinen, som tidligere hadde skiftet plass ganske ofte, her i 13 måneder, selv om den ble tatt bort flere ganger i to eller tre dager i forskjellige deler av Paris. Og på Thermidor 9, 1794, tok hennes tidligere plass for siste gang.Denne gangen gikk Robespierres støttespillere opp i stillaset etter hverandre.Totalt ble 2498 mennesker halshugget i løpet av revolusjonsårene. Av disse 1119 på torget Concorde.Foruten kongen, Marie Antoinette, den store kjemikeren Lavoisier, og deretter jakobinerne selv Hebert, Robespierre, Saint-Just ble henrettet her... I 1799, i sentrum av Place de la Concorde, ønsket Napoleon å plassere nasjonens søyle på en tom pidestall, så ble Luxor-obelisken plassert på denne pidestallen i 1836. Dette er det eldste av monumentene i Paris (tiden til Ramses II, dvs. det 13. århundre f.Kr.).
Hans regjeringstid falt på rokokkotiden i kunsten. Louis XV verdsatte spesielt komfort og bekvemmelighet i interiørdesign, noe som ble reflektert i den såkalte Louis XV-stilen. Det var under ham at virkelig komfortable stoler dukket opp: setehøyden falt til den vanlige 35-38 cm fra gulvet for en lenestol og 45 cm for en stol. Og stolryggene ble skråstilt i stedet for rette. Louis XV-tiden er epoken med vakre stoffer, intrikate ornamenter og mote for "kinesisk". i tillegg kom elegante toalettbord i bruk i rokokkotiden.
i stil med Louis XV
Portrett av Marie Elisabeth Louise Vigée-Lebrun
Antoine Watteau
Petit Trianon med interiør i stil med Marie Antoinette.
Damenes frisyrer er veldig intrikate. Bevegelige openwork pins er på mote - "ziternadel" (fra tysk zittern - skjelv og nadel - pin). Asymmetriske aigrettes (en hodeplagg med en fjær, fra latin - Egretta, en slekt av hvite hegre), grasiøse fjær og noen ganger lyse sommerfugler. "Portbuketter" (smykker "vaser" for buketter med friske blomster) dukket opp. Menn var ikke akterutseilt, de dekorerte forskjellige bestillinger, spenner av klær og sko, sverdhåndtak og mange nøkkelringer med diamanter.
Ludvig XVI (regjeringstid 1774 - 1793, henrettet under revolusjonen) Louis Ferdinand var overvektig, veldig fråtsende, fristende, likte ikke useriøs moral, spill og baller, til og med jakt interesserte ham ikke. Men han spilte villig orgel og sang koraler.
Louis Jean Francois Lagrenée
Louis XVI-stilen legger hovedvekten på en følelse av proporsjoner i alt: sofistikerte klassiske draperier, møbler av strenge og grasiøse proporsjoner. Under Louis XVI dukket en stol med medaljongrygg opp og kom i bruk.
Joseph-Siffred Duplessis.Portrett av Ludvig XVI
Louis XVI-stilen i interiøret er et slående eksempel på nyklassisisme i design og arkitektur. Dens dannelse ble betydelig påvirket av utgravninger av gamle byer, som returnerte gamle greske og romerske tradisjoner til franske palasser. Blandingen av klassiske gamle tradisjoner i arkitektur med rokokko ble nedfelt i utseendet til denne stilen. Som en konsekvens av motens tilbakevending til antikken, ble interiøret under Louis XVI og Marie Antoinette mer behersket, formene mer enkle.
salong i Louis XVI-stil
Moten for klassisisme slukket den hemningsløse og pretensiøse rokokkoen, men ikke helt. Som et resultat kan man observere mangfold i interiørartikler - rette, strenge linjer - bena til stoler, skap og skap mykes opp av de avrundede sengegavlene til senger, stoler, lenestoler og sofaer. Ovalen er den mest populære figuren i de fleste interiørdesignelementer i Louis XVI-stil. Dette skjemaet ble brukt i utformingen av bord, speil og andre møbler. De dominerende fargene er lyse, pastellfarger, med moderat bruk av forgylling - det ble brukt til å dekorere trim, hjørner og dørhåndtak. Dekortemaene fletter to temaer sammen - antikke klassiske elementer (laurbærkranser, mascarons, karakterer fra gamle myter) og pastorale, provinsielle motiver introdusert i stilen av Marie Antoinette (en bukett med blomster, maisører, bånd og landlige husholdningsartikler). Louis XVI-stilen hadde en betydelig innflytelse på utviklingen av datidens interiørdesign og forble populær frem til 1800-tallet.
Napoleon I
Empirestil (1800-1820) Den aggressive holdningen til Napoleon I ble manifestert ikke bare i en rekke militære kampanjer, men også i innprentingen av den keiserlige ånden i arkitektur og interiør. Alvorlig og martial, Empire-stilen ble inspirert av de store sivilisasjonene fra fortiden: Antikkens Hellas, Roma og Egypt.
Empire (fransk stil Empire - "keiserlig stil") er stilen til sen (høy) klassisisme innen arkitektur og brukskunst. Oppsto i Frankrike under keiser Napoleon I; utviklet i løpet av de tre første tiårene av 1800-tallet; ble erstattet av eklektiske bevegelser.
Triumfbuen-karrusellen (1809) ble bygget til ære for seirene til Napoleons hær. Empire-stilens hovedarkitekter - Percier og Fontaine - dekorerte den med en kopi av quadrigaen til Konstantin I i Venezia og basrelieffer som illustrerer kampene ved Napoleon.
Empirestilen er det siste stadiet av klassisismen.I det keiserlige Frankrike ble empirestilen preget av høytideligheten og pompøsiteten til minnesarkitektur og palassinteriør skapt av Napoleons hoffarkitekter Charles Percier og Pierre Fontaine
Compiegne-palasset var ikke Napoleons eneste residens, men det er her det keiserlige interiøret er best bevart.
"Portrett av Madame Recamier" av Jacques-Louis David, 1800
Madame Recamier var ikke bare en skjønnhets- og samfunnsdame, men også stamfaderen til Recamier-sofaen.
Under empirestilens storhetstid ble tiaraer høyt verdsatt, både dyrebare og mer beskjedne – i form av gyldne laurbærkranser eller kranser laget av aks eller eikeblader. Kameoer fortsatte å være av stor betydning (ikke bare gamle, men også fra senere tider).
F.S. Gerard. Josephine av Beauharnais, keiserinne. 1808
Da Napoleon ble keiser, ble perioden med revolusjonære friheter til intet, og selv om den generelle silhuetten ble bevart, begynte damer å eksponere seg mye mindre, og halsen krøp opp. Nærmere 1804 blir kjolen lukket opp til halsen, ermene vises, og toget forsvinner helt. Noen år senere ble skjørtet litt forkortet. Det er en velkjent historie om hvordan Napoleon la merke til en vakker ung dame i et veldig vågalt antrekk. Han kalte henne høyt ut av mengden og sa truende: "Madam, du er avkledd, gå kle deg!" Empireperioden introduserte tung silke og fløyel, massive antikke ornamenter og gullbroderier på kjoletogene - designet deres ble utviklet for kroningen av Bonaparte.
Franz Xaver Winterhalter Napoleon III
Second Empire (1850-1870) Napoleon III var ikke like interessert i dekorasjon som sin onkel. Selv om han ikke anerkjente pluralisme i politikken, tolererte han det fullt ut i arkitekturen, noe som resulterte i utseendet til så forskjellige bygninger som det praktfulle operahuset og det blonde metalliske Gare du Nord. Grand Opera: i 1861, da han presenterte prosjektet for keiserinne Eugenie, svarte arkitekten Charles Garnier ressurssterkt på spørsmålet hennes om bygningens stil: "Dette er stilen til Napoleon III!" Teateret åpnet i 1875, da Napoleon III allerede var styrtet.
hovedtrapp
Under ham gjennomførte baron Haussmann en storstilt rekonstruksjon av Paris. Noen måneder etter vedtakelsen av den liberale grunnloven av 1870, som ga rettighetene tilbake til parlamentet, ble Napoleons styre satt til slutt av den fransk-prøyssiske krigen, hvor keiseren ble tatt til fange i Tyskland og aldri returnerte til Frankrike. Napoleon III var den siste monarken i Frankrike.
Keiserinne Eugenie, kona til Napoleon III, ga navnet sitt til det termiske spaet til Eugénie-les-Bains og en villa i Biarritz.
Baron Haussmann omformet middelalderens Paris fullstendig, noe som ga ham hatet til hans samtidige og takknemligheten til hans etterkommere.
Byplanleggingsarbeidet til Baron Haussmann på 1800-tallet, på vegne av Napoleon III, bestemte i stor grad det moderne utseendet til Paris. Ombyggingen av byen inkluderte ikke bare arbeid for å endre det ytre utseendet til byen, men førte også til en forbedring av infrastrukturen i Paris. Behovet for endring hadde latt vente på seg. Bymyndighetene tenkte på behovet for å gjenoppbygge byen. sentrum av Paris, nemlig: å forbedre vollene til Seinen og rive hus bygget på broer. I løpet av årene med intensiv industriell utvikling av Frankrike og først og fremst Paris, vokste byens befolkning i et eksepsjonelt raskt tempo - på ett århundre femdoblet befolkningen - fra 0,55 millioner i 1800 til 2,7 millioner i 1901. I noen nabolag nådde befolkningstettheten 100 000 mennesker per km². Byen viste seg å ikke være beregnet på et så stort antall innbyggere: et nettverk av trange krokete gater, tett bygget opp med bygninger, gjorde det vanskelig trafikk, og dårlige sanitære forhold førte til hyppige utbrudd av epidemier, som igjen førte til at velstående parisere forlot byen og flyttet til forstedene i nord og vest, og sentrum av hovedstaden ble til en fjerdedel av de fattige, også gjenstand for hyppig sosial uro.
For å eliminere slike problemer var det nødvendig med en større ombygging.Keiserens planer inkluderte ikke bare å forbedre transportforbindelsene, Paris helsevesen og forbedre levekårene for underklassen, men også å øke hans autoritet blant parisere. I tillegg gjorde brede, godt synlige avenyer det lettere å holde militærparader og gjorde det vanskeligere å sperre gatene med barrikader i tilfelle en ny revolusjon.
En dag etter overgivelsen av Napoleon III begynte septemberrevolusjonen i Paris, og styrtet keiserens regjering. Frigitt fra fangenskap etter fredsslutningen dro han til England, hvor han bodde til slutten av sine dager.
Plakat for verdensutstillingen i Paris 1900
Art Nouveau (1890-1910) Fransk jugendstil var bare en del av bevegelsen mot gjengivelsen av gamle stiler som feide Europa på slutten av 1800-tallet, men så ble den offisielt anerkjent – på verdensutstillingen i Paris i 1900.
Eiffeltårnet, symbolet på verdensutstillingen i Paris i 1889 og den mest skandaløse bygningen i historien, har ikke delikate kurver, men i ånden tilsvarer det den "nye kunsten": i kjernen er den samme lidenskapen for å bruke den nyeste fremskritt som metallkonstruksjoner.
Daum Vase, 1897
Hector Guimard satset sikkert sin plass i historien til jugendstil med utformingen av inngangene til den parisiske metroen (1899-1904), som ble "telefonkortene" til Paris.
brosjer av gullsmeden Wilhelm Lucas von Cranach.
Et av de beste eksemplene på jugendstil, Villa Majorelle i Nancy (oppkalt etter eieren, en berømt møbelsnekker) ble bygget av Hector Guimard og Henri Sauvage.
Art Deco-mesterverk - Mayakovskaya t-banestasjon
Art Deco (1920-1940) På 1920-tallet ble blomstermotivene og de flytende linjene i jugendstilen erstattet av en streng og geometrisk Art Deco, mer i tråd med epoken med høyhastighetstog, transatlantiske rutebåter og fly. Og som vanlig var franskmennene foran resten. Normandie-fartøyet (1931) ble en triumf for Art Deco: de jobbet på skipet de beste mestrene stil (Lalique, Dunant, Dupas og andre).
Demetre H. Chiparus
Rene Lalique
Modernisme (1920-1960) En logisk fortsettelse av Art Deco, denne stilen overlapper delvis med den i tid, men kjennetegnes ved enda større funksjonalitet, fravær av rik dekor og bruk av moderne materialer i stedet for bronse og dyrt treverk. Le Corbusier er grunnleggeren av modernismen og generelt en av hovedarkitektene på 1900-tallet.
Arbeidet til Pablo Picasso (her - "Woman in a Chair", 1937) og Georges Braque påvirket i stor grad utviklingen av modernismen på andre områder.
Provence (1990-tallet) Landskapet i Provence ga fargene sine - blått, turkis, lavendel, oker, oliven - til lokalt interiør.
Vincent Van Gogh. "Røde vingårder i Arles", 1888
Ting med moderne design er ganske akseptable i et provençalsk interiør, den eneste betingelsen er naturlige farger og materialer.Kjøkkenet skal være stort og komfortabelt, fullt av alle slags kobberredskaper, leirpotter og krydderkrukker.
Bohemian chic (2000-tallet) Selv om denne stilen ikke er offisielt nedfelt i oppslagsverk, føler vi at det er den franskmennene elsker mest. Det er verdt å lære av dem hvor lett de blander det dyre med det billige, moderne design med antikviteter, kunst med etniske suvenirer, høyt med morsomt. Det viktigste er ikke å være redd for å overdrive det. Typisk bohemsk chic: en vintage sjeselong som tilhørte Colette, et designerteppe fra Nilufar-galleriet, mye kunst og etnisitet – og alt dette i en borgerlig parisisk leilighet med stukkatur.
Møblene til billedhuggerduoen Claude og François-Xavier Lalanne (her: neshornsbordet) har blitt en uunnværlig egenskap for bohemsk chic. Selvfølgelig for de som har råd. Det er verdt millioner.
Presentasjonen ble laget for leksjonen "Klassisisme" i henhold til kurset til Emokhonova (MHC 11. klasse). Men dette materialet kan brukes i generelle historietimer og i tilleggsundervisning. Inneholder et stort antall illustrasjoner. Designet for elever på ungdoms- og videregående skoler. Forfatteren har med suksess brukt det i leksjoner i flere år.
Nedlasting:
Forhåndsvisning:
For å bruke forhåndsvisninger av presentasjoner, opprett en konto for deg selv ( regnskap) Google og logg inn: https://accounts.google.com
Lysbildetekster:
Klassisisme: Klassisismens kunst, Louis XIVs store kongelige stil Leksjonsplan Hva er klassisisme? Hva er Grand Royal Style? Ledende arkitekter av fransk klassisisme Solkongen som et kunstverk Kunstnere av fransk klassisisme Hele det syttende århundre... Konklusjoner... La oss teste oss selv? Presentasjonen ble laget av læreren ved MHC GBOU School 1164 Geraskina E.V. Moskva
Klassisismen er det andre stilsystemet på 1600-tallet. Som stil oppstod klassisismen i England og Holland (landene der de første borgerlige revolusjonene fant sted). Men klassisismen får en spesiell betydning i Frankrike. Resultatet av den brutale, blodige kampen mot føydal separatisme for sentralisert makt var absolutismens seier. Fanatisk religiøsitet erstattes av "tro uten utskeielser", som forutbestemte all videreutvikling av kulturen.
Absolutismens krav til kunst... De nye statsidealene krevde av kunsten slike former som ville være forbundet med storheten til herskerne i de gamle grekere og romere. Imidlertid virket streng (rasjonell) engelsk klassisisme ikke storslått nok til å glorifisere Louis XIV - "Solkongen". Derfor tyr franske arkitekter og kunstnere til de lunefulle, sofistikerte formene til den italienske barokken.
"Great Royal Style" Hovedforskjellen: den kombinerer strengheten til klassiske former i arkitektur og landskapskunst med barokkens pompøsitet i interiørdekorasjonen. Mest levende realisert: Versailles (1624-1687) - favorittlandstedet til kong Ludvig XIV.
Versailles Louis Leveau (1612-1670) Det gamle jaktpalasset til Ludvig XIII ble utvidet, og i klassisismens tradisjoner ble dets sentrale akse fremhevet av front- og hageportalene. Langs de tre radiale avenyene fra den østlige hovedinngangen kom denne verdens mektige til palasset fra Paris, Saint-Cloud og så. Hofkulturen i Versailles-perioden elsket slike nyanser, og Versailles-ensemblet ble brukt som et teatralsk bakteppe med det formål å storslått glorifisering av monarken.
Versailles av Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) Palasset ble utvidet takket være utvidelser. Speilgalleriet koblet sammen statskamrene til kongen og dronningen og dannet en parkfasade. Parkfasaden ga Versailles klassisk alvorlighet: overvekt av horisontale linjer, en enkelt flatt tak Korrespondanse av bygningens ytre dimensjoner til størrelsen på de indre kamrene.
Versailles av gartner-planlegger Andre Le Nôtre (1613-1700) "PARK ER seremoniell grønn arkitektur" Funksjoner ved en av de første vanlige parkene: 1. Tilstedeværelsen av et ytre gjerde, 2. Bruk av flatt terreng, 3. Aksialdeling av området ved en bred sentral bakgate med symmetrisk beplantning langs begge sider. 4. Obligatoriske elementer i parken er gressplener og blomsterbed. 5. Grand Canal, store flate reservoarer 6. Trimmede barlindespalier, radiale smug og fjerne utsikter. 7. For å underholde et stort antall gjester.
Flate reservoarer fungerer som gigantiske speil som dupliserer rommet. Radiale smug utvider det visuelt til det uendelige. Den aksiale smugen, som starter fra parkfasaden til palasset og går inn i Canal Grande, skaper inntrykk av grenseløs dybde og eksepsjonell storhet i parken, og uttrykker ideen om den kongelige personens utilgjengelighet. Den sentrale bakgaten, som forlater palasset i vestlig retning, "absorberer" andre smug og "flyter" inn i Canal Grande, som for at alle skoger, marker og vann i landet kunne vises for herskeren på den foreskrevne måten .
Ritualer til "Naturens Herre" På en vinterdag dro kongen ut med følget til parken, og det viste seg at blomsterparterrene duftet med friske blomster (det er grunnen til at alle blomstene i Versailles ble plantet i potter ; det var mer praktisk å erstatte de visne.) Det viste seg at tilstedeværelsen av "Sun King" gjenoppliver planter. Ludvig XIV plantet personlig sine favorittnelliker, påskeliljer og tuberose i blomsterpotter, som hoffsmikere erstattet med blomstrende, og forsikret at hans magiske innflytelse på naturen tillot den plantede planten å utvikle seg på en dag.
Ludvig XIV - Solkongen og Apollo... Solsymbolikk, som forbinder bildet av "Solkongen" Ludvig XIV med solguden Apollo, tjente samme formål. Den vanlige utformingen av selve hagen gjenspeiler ideen om naturens sykliske natur, hvis liv kommer fra solen. Radiale smug er assosiert med solens stråler. Alle hage- og fonteneskulpturer i Versailles er også underordnet mytologien om solen. Apollofontenen ved bunnen av Canal Grande representerer solguden som dukker opp fra havet på en quadriga, akkompagnert av delfiner og skjellblåsende salamander. Solen minner om allegoriske statuer av årstidene, dagene, karakterer fra gammel mytologi knyttet til Apollo, som jegerinnen Diana, søsteren hans eller den unge mannen Hyacinth, forvandlet til en blomst av Apollo.
symbolikk av palasset Symbolikken til palasset, som inntar en sentral plass i palasset og parkensemblet i Versailles, alle dets boligkvarter bar preg av "ritualitet". Den viktigste "helligdommen" i palasset - kongens soverom - lå på den sentrale øst-vest-aksen og hadde vinduene vendt mot den stigende solen. Etter solen flyttet "solkongen" til statshallene dedikert til de gamle gudene Apollo, Venus og Mars. Dagens begivenheter kulminerte i Speilgalleriet, hvor seremonier for å introdusere adelige personer for kongen fant sted, iscenesatt som en storslått teaterforestilling der kongen selv spilte førstefiolin.
Funksjoner av interiøret i Versailles: Temaet for solen-Apollo seiret, som en påminnelse om eksklusiviteten til Ludvig XIV. Enorme veggtepper - verdures (fra det franske Verdure - grøntområder) som skildrer landskap og jaktscener dupliserte livet til det kongelige hoffet. Pittoreske lampeskjermer som forteller om gudenes gjerninger og eventyr antydet fritiden til den allmektige herskeren. Store speil, som reflekterte parkensemblet, fremkalte illusjonen av uendelig plass der "solkongen" regjerer. Skulptur som ligner på antikk, bronse, flerfarget marmorgulv og -vegger, dyrebare møbler innlagt med skilpaddeskall og perlemor - all denne luksusen fjernet bomiljøet så langt som mulig fra livets prosa.
XVII århundre for verdenskultur 1. En av de mest betydningsfulle periodene i kulturhistorien. 2. Etter renessansen og forut for opplysningstiden, arvet han mye fra den første og forutså oppdagelsene av den andre. Hovedtrekket i epoken er den samtidige utviklingen av to ledende stilsystemer - barokk og klassisisme, i nærvær av et betydelig kunstnerisk konsept av århundret - realisme
Betydningen av kulturen på 1600-tallet: For første gang gikk kunsten utover grensene for én stor, etablert stil i arkitekturen, slik den var i tidligere tider. Barokk skapte kunst full av bevegelse, energi og lidenskap. Han var besatt av impulser mot det uendelige, det transcendentale, det berørte. Klassisismen på 1600-tallet kontrasterte den spontane dynamikken i barokken med idealet om balanse, regelmessighet og rasjonalisme.
Betydningen av kulturen på 1600-tallet (2): Realismen på 1600-tallet, som oppsto som en reaksjon på kompleksiteten og abstraksjonen av senmanerismens degenererte kunst, skapte bilder der den indre verdenen til en person og det emosjonelle miljøet rundt ham ble målt på skalaen ikke så mye av hverdagen som av evigheten. På 1600-tallet nasjonale europeiske kulturer, mens de opprettholder lokal spesifisitet, har oppnådd dette høy level fellesskap, som gjorde det mulig å snakke om dannelsen av en enhetlig verdens kunstnerisk kultur i århundret.
Spørsmål og oppgaver 1. Hvilke trekk indikerer «hagelivet» til fransk klassisisme? For å svare, bruk illustrasjoner fra oppgave nr. 17 in arbeidsbok. 2. Fullfør oppgave nr. 18 i arbeidsboken din. 3. Gjør den siste oppgaven for avsnittet «Kunstnerisk kultur på 1600-tallet» i arbeidsboken din. 4. Prosjektaktiviteter. Finn trekk ved barokkens estetikk i den omkringliggende virkeligheten. Hvordan viser det seg i arkitektur, dekor, teaterforestillinger, klær, tilbehør, mennesketyper? Identifiser forskjellene i hage- og parkarkitekturen til barokk og klassisisme i din by, regionsenter, forstadsgods i St. Petersburg og Vest-Europa.
Frodig "Louis XIV-stil" i interiøret
Interiøret fra Louis XIVs tid får, i motsetning til det ytre utseendet til bygningene på denne tiden, en ekstremt storslått, høytidelig og seremoniell karakter. De fylte sin sosiale og historiske rolle og fungerte som et rikt, frodig og samtidig monumentalt bakteppe for datidens seremonier og ritualer i hofflivet. Frankrike var i denne perioden den mektigste staten i Europa. Tidens kunstneriske diktator, hoffkunstneren Charles Lebrun, forsøkte å forsterke den majestetiske lyden av interiørdekorasjonen, ved å introdusere polykrome klinkekuler i dekorasjonen i kombinasjon med forgylt bronse, relieffer og utad spektakulære takmalerier. Bestillingselementer ble brukt i interiøret, hovedsakelig pilastre og halvsøyler, men hovedoppmerksomheten ble ikke gitt til nøyaktigheten av proporsjonene deres, men heller til etterbehandlingen - kledning med fargede marmor. Hovedrollen i utsmykningen av lokalene ble spilt av tunge rammer og arkitektoniske plastdetaljer, som innrammet og dekorerte individuelle deler av veggene, gesimser og ble plassert i form av desudeporter over dørene og på lampeskjermer. Eksempler inkluderer dekorasjonene til slottet i Versailles, inkludert krigs- og fredshallene.
Den ledende rollen i å bestemme stilen til dekorativ kunst på denne tiden, som nevnt, tilhørte Charles Lebrun, og i utviklingen av prøver i den første perioden av barokkens storhetstid - kunstneren Jean Lepautre.
Palassmøbler i stil med Louis XIV ble preget av sin rikdom og overmetning av design, først og fremst utskjæringer, rikelig dekket med forgylling. I tillegg til møbler med utskåret bearbeiding, blir møbler moteriktig "okse stil", senere oppkalt etter hoffsmeden Andre Charles Bulle (1642 - 1732). Med en ganske enkel struktur ble gjenstandene laget av farget, hovedsakelig ibenholt, tre; de var rikelig dekorert med oronse-rammer fylt med skilpaddeinnsatser, perlemor og andre materialer, stenger, rosetter og andre detaljer. Komposisjonsgrunnlaget besto av paneler med introduksjon av menneskefigurer innrammet av vridende ornamenter. Bulls møbler, rike og raffinerte, ga samtidig en følelse av en viss formtørrhet.
Siden 1680-tallet har møbler laget i denne stilen fått en spesiell sofistikert dekorasjon, på grunn av forskyvningen av tredeler av skinnende metall - forgylt bronse. Sølv, messing og tinn ble også brukt til dekorasjon.
Lenestoler, stoler og sofaer, som ble utbredt på denne tiden, har S-formede eller pyramideformede ben som smalner nedover. Formen på armlenene blir også mer kompleks. Mykt sete, høy rygg og delvis er armlenene dekket med ulike elegante billedvevsstoffer med bilder av trær, blomster, fugler og prydkrøller. Stoltypene blir mer varierte, spesielt dukker det opp stoler med to halvsirkelformede fremspring bak på hodenivå - spesielt for eldre. Ved å kombinere tre sammenkoblede lenestoler med armlener som mangler på sentralstolen, skapes sofaer. Rammene på ryggen får myke bølgete konturer.
På denne tiden ble skapmøbler mer utbredt: bord i forskjellige former, veggkonsoller, oftest på bøyde ben, kommoder, som erstattet kommoder for oppbevaring av lin. Rike utskjæringer og forgylte bronsedetaljer er mye brukt i dekorasjon. Møblene fra denne tiden, tunge og monumentale, fikk stort komposisjonsmangfold både som helhet og i enkeltelementer.
Brukskunst fra midten og andre halvdel av 1600-tallet, som nevnt ovenfor, var av stor betydning for interiørdekorasjonen. Lokalene var dekorert med billedvev, savoneri-tepper lagt på gulvet, silkestoffer, draperier og duker og sølvtøy, som ble stadig mer utbredt og viktig med tiden.
MED sent XVIIårhundre, på grunn av forverringen av den økonomiske situasjonen i landet, inkludert det kongelige hoff, forårsaket av feil av militær og politisk karakter, gir den ekstreme luksusen med dekorasjon observert ved hoffet til Ludvig XIV plass til relativ tilbakeholdenhet. Elementer av klassisisme er forbedret i interiøret.
