Mare stil Louis. Stilul grandios al regelui Ludovic al XIV-lea
„Stilul lui Ludovic al XIV-lea” a pus bazele culturii internaționale ale curții europene și a asigurat prin triumful său răspândirea cu succes a ideilor clasicismului și stil artistic Neoclasicismul în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea - începutul XIX secole in majoritatea tarilor europene. Alte cea mai importantă caracteristică era „Grand Style” este că în acest moment ideologia și formele academicismului european luau în sfârșit contur. În 1648, la inițiativa „primului pictor al regelui” Berger O. Istoria lumii// Istorie nouă T. 3, Sankt Petersburg, 1999. P.171. Lebrun a fondat Academia Regală de Pictură și Sculptură din Paris. În 1666, la Roma a fost creată Academia Franceză de Pictură. În 1671, la Paris a fost organizată Academia Regală de Arhitectură. F. Blondel cel Bătrân a fost numit director al acesteia, iar A. Felibien a fost numit secretar. „Stilul mare” necesita bani mari. Curtea regală, aristocrația curții, Academiile și Biserica Catolică au reușit să creeze un mediu, cel puțin pe raza capitalei, în care au apărut capodopere scumpe. În primul rând s-a impus construirea unor ansambluri arhitecturale grandioase. Au fost introduse funcțiile oficiale de „arhitect la rege” și „prim arhitect la rege”.
Toate lucrările de construcție au fost efectuate de către Departamentul Curții. În 1655-1661. arhitectul L. Levo a construit palatul Vaux-le-Vicomte pentru N. Fouquet, „controlorul regal al finanțelor”. Parcul în stil obișnuit a fost amenajat de A. Le Nôtre, interioarele au fost proiectate cu brio de C. Lebrun. Palatul și parcul au stârnit o invidie atât de puternică a regelui Ludovic, încât ministrul Fouquet a fost aruncat în închisoare sub primul pretext, iar Levo și Le Nôtre au primit ordin să construiască ceva mai grandios la Paris și Versailles. În 1664-1674. Construcția fațadei de est a completat ansamblul arhitectural al Luvru, principala reședință regală din Paris. Fațada de est este numită „Colonada Luvru” din cauza șirului puternic de coloane duble ale „marelui ordin”. Coloane cu capiteluri corintice ridicate deasupra podeași se întind pe etajele al doilea și al treilea, creând o imagine puternică, austeră și maiestuoasă. Colonada se întinde pe 173 de metri. Istoria creării acestei capodopere este interesantă. Maestrul remarcabil al barocului roman matur, J. L. Bernini, a fost invitat să participe la concurs. A prezentat un proiect baroc cu fațade curbe elaborat, bogat în multe elemente decorative, dar francezii au preferat propriile lor, domestice, mai stricte și clasice. Autorul său s-a dovedit a fi nu un constructor profesionist, ci un medic pasionat de arhitectură și, în timpul liber, a tradus tratatul lui Vitruvius în franceză. Era C. Perrault. El a apărat exclusiv vechile, vechile fundații italiene ale arhitecturii clasiciste. Împreună cu C. Perrault, F. de Orbe și L. Levo au luat parte la construcția Luvru, care a creat noile aripi nordice și sudice ale palatului V.B. Lysyan. Ludovic al XIV-lea despre stat și puterea regală // Istorie nouă și recentă Nr. 5 M., 2002. P.145..
În timpul domniei lui Ludovic al XIV-lea, arhitectul și fortificatorul S. de Vauban a devenit faimos, a construit peste treizeci de orașe fortificate noi și a reconstruit multe vechi. L. Levo a devenit autorul a două clădiri remarcabile care au avut o influență semnificativă asupra dezvoltării arhitecturii clasicismului european: Hotelul Lambert (1645) și ansamblul „Colegiului celor Patru Națiuni” („Institutul Franței”); 1661-1665). Lângă College de France în 1635-1642. arhitectul J. Lemercier a construit Biserica Sorbona cu o fațadă în stil baroc italian (conține mormântul cardinalului Richelieu, rectorul universității). Ca și capela Collège de France, Biserica Sorbona este încoronată cu un „dom francez”, neobișnuit pentru acea vreme. În 1671-1676. L. Bruan a ridicat un complex de clădiri pentru invalizi pentru veteranii de război pe malul stâng al Senei. În 1679-1706. arhitectul J. Hardouin Mansart a completat acest ansamblu cu capodopera sa - Biserica Invalizilor. Domul său cu ornamente aurite, „lanternă” și turlă sunt vizibile de departe. Bisericile Institutului Franței, Sorbona și Invalizii erau un nou tip de clădire clasicistă, în plan centrat, cu portic, fronton triunghiular și cupolă pe un tambur cu coloane sau pilaștri. Această compoziție - așa-numita „schemă franceză” - a stat la baza multor lucrări ulterioare de arhitectură ale clasicismului european din secolele XVIII-XIX, inclusiv în Rusia. În 1685-1701. Conform proiectului lui J. Hardouin-Mansart, în centrul Parisului a fost creată Place Louis the Great (mai târziu Place Vendôme). În plan dreptunghiular, cu colțuri tăiate, a fost conceput ca un ansamblu ceremonial în cinstea Regelui Soare. În centru se afla o statuie ecvestră a lui Ludovic al XIV-lea de F. Girardon (1683-1699); distrusă în timpul revoluției din 1789. Fațadele clădirilor care încadrează piața au același tip de portice, ceea ce conferă integrității și completitudinii compoziției. O altă piață în cinstea regelui, proiectată tot de J. Hardouin-Mansart, este „Piața Victoriei” (Place des Victoires) creată în 1685. A fost decorată cu o statuie ecvestră a lui Ludovic al XIV-lea de către sculptorul olandez M. fan Len Bogart (poreclit Desjardins); distrus în timpul revoluţiei din 1792 (restaurat de M. Bosio în 1822; vezi Cavallo).
În 1672, conform planului șefului Academiei Regale de Arhitectură, F. Blondel cel Bătrân, Arcul Saint-Denis a fost ridicat în onoarea victoriilor armelor franceze - trecerea armatei regelui Ludovic peste Rin. Blondel a regândit forma Arcului de Triumf roman și a creat un nou tip de structură, „Stilul Mare”. Basoreliefurile arcului, bazate pe schițele lui Charles Lebrun, au fost realizate de sculptorii frații Angier. Din 1676, Blondel a dezvoltat un nou plan general pentru Paris, care a inclus crearea de mari ansambluri arhitecturale și perspective. F. Blondel a fost un teoretician remarcabil, în „Cursul de arhitectură” (1675), el a susținut că bazele stilului clasicist nu stau „în imitarea Romei”, ci în gândirea rațională și calculul precis al proporțiilor. Creatorul Colonadei Luvru, C. Perrault, s-a certat cu el. În 1691, un alt tratat teoretic cu același titlu: „Cursul de arhitectură” a fost publicat de Sh.-A. de Aviler. În 1682, Ludovic al XIV-lea a părăsit Parisul și curtea s-a mutat într-o reședință suburbană - Versailles.
Acest gest este văzut ca dorința regelui de a crea o nouă capitală strălucitoare, asociată în întregime doar cu numele său. Dintre sculptorii „Marele stil”, F. Girardon, A. Coisevo, N. Coustu (al cărui frate mai mic este cunoscut pentru grupele „Cailor Marley”), P. Puget, J. Sarazin, J.-B. Tub. În timpul domniei lui Ludovic al XIV-lea au lucrat doi pictori remarcabili: C. Lorrain și N. Poussin. Au lucrat în Italia și în aspirațiile lor erau departe de pomposul „Big Style”. Romancier convins, C. Lorrain este pictor peisagist, textier și romantic. N. Poussin a creat capodopere care întruchipează ideile clasicismului roman „pur”, care întruchipează și romantic armonia antichității. În ciuda cerințelor regelui, Poussin nu a vrut să lucreze în Franța și să fie pictor de curte. Prin urmare, laurii unui pictor de curte au fost câștigați mai întâi de academicianul rece și plictisitor S. Vuz, iar apoi de elevul său P. Mignard. În aceiași ani, a izbucnit celebra dispută dintre „Poussinists” (adepți ai clasicismului) și „Rubensists” (supținători ai barocului). La Academia Regală de Pictură, „Poussiniştii” au fost sprijiniţi de C. Lebrun, iar „Rubensiştii” de P. Mignard și Roger de Pille. Ch. Lebrun îi venera pe Raphael și Poussin și a dedicat acestor artiști prelegeri speciale la Academie; în 1642 l-a însoțit pe Poussin în Italia și a lucrat ceva timp alături de el la Roma. Dar este caracteristic faptul că dilema „Poussin-Rubens” (clasicism-baroc), reflectată în zidurile Academiei din Paris de confruntarea Lebrun-Mignard, și-a pierdut sensul, atât de asemănătoare a fost pictura academică: academicismul a nivelat diferențele de stil. . Portretele de curte ale „statuetei mari, sau stilului înalt” create de S. Vouet și P. Mignard sunt uneori numite „academicism baroc”. De pe pereții Galeriei Apollo din Luvru, regii francezi și cei mai buni artiști ai Franței ai vremii ne privesc - în toate portretele se remarcă o expresie disprețuitoare, condescendentă, iar pe chipul Regelui Soare (portret de Lebrun) există o grimasă disprețuitoare. Aceeași expresie este într-o lucrare de pictură și compoziție magnifică - un portret al lui Ludovic al XIV-lea de I. Rigaud. Majoritatea picturilor „primului pictor al regelui” C. Lebrun sunt cele mai plictisitoare exemple de clasicism academic Lysyanov V.B. Ludovic al XIV-lea despre stat și puterea regală // Istorie nouă și recentă Nr. 5 M., 2002. P.147..
În Luvru există o sală mare plină complet cu pânze uriașe de Charles Lebrun, este insuportabil să le privești. În același timp, „Portretul cancelarului Seguier” (1661), propria sa operă, este cea mai rafinată lucrare din punct de vedere al picturii. Aceste contradicții reflectă nuanțele erei Grand Style. O contribuție semnificativă la arta portretului ceremonial în „stil statuar” a fost adusă de gravori remarcabili J. Morin, C. Mellan, R. Nanteuil, J. Edelinck. Pictorul N. de Largilliere, care, la fel ca mulți alți portretiști, a lucrat sub influența lui A. Van Dyck, a pictat frumuseți seculare sub forma unor zeițe și nimfe antice pe fundalul unui peisaj forestier, care a anticipat trăsăturile Stilul rococo de la mijlocul secolului viitor. În secolul al XVII-lea În Franța au fost create cele mai bune lucrări din genul gravurii ornamentale, cel puțin: a fost creat genul în sine. Compozițiile lui J. Lepôtre, D. Marot cel Bătrân și J. Marot cel Bătrân, adunate în albume mari („Vase”, „Portale”, „Plafonduri”, „Cartușuri”, „Seminee”, „Borduri”) au demonstrat perfect Principalele caracteristici „Grand Style”, s-au răspândit în multe țări și au avut o influență semnificativă asupra dezvoltării artei decorative în toată Europa. Lucrând în acest gen, artiștii nu au fost reglementați de intriga și de cerințele clientului; și-au dat frâu liber imaginației, elaborând elementele formale individuale ale stilului la perfecțiune.
Apariția stilului
Stil mare- (franceză „Grand maniere”, Le style Louis Quatorze) - stilul artistic al uneia dintre cele mai vibrante perioade din istoria Franței, „epoca de aur” a artei franceze din a doua jumătate a secolului al XVII-lea.
Asociat cu domnia regelui Ludovic al XIV-lea (1643-1715), de unde și numele. Acest stil combină elemente de clasicism și baroc. Cu structura sa figurativă, „Stilul Mare” a exprimat ideile de triumf al puterii regale puternice, absolute, unității naționale, bogăție și prosperitate, de unde și epitetul său. Le Grand.
În 1643, moștenitorul tronului în vârstă de cinci ani, Ludovic al XIV-lea, a devenit șeful Franței, iar mama sa, regina Ana a Austriei, a devenit regentă. Politica a fost stabilită de primul ministru, atotputernicul cardinal Mazarin. În ciuda urii poporului față de cardinalul italian și a antipatiei față de „regina austriacă”, ideea necesității unei puteri absolute durabile ca o condiție indispensabilă pentru dezvoltarea națiunii franceze și unificarea țării a adunat mințile de conducere ale timpul - politicieni, nobilimi, scriitori și artiști - în jurul tronului. În 1655, tânărul rege a rostit celebra frază la o ședință a parlamentului: „L"Etat, c"est moi!" („State, eu sunt!”). Iar curtenii, nu fără lingușiri, desigur, l-au poreclit „Roi Soleil” - „Regele Soare” (care strălucește mereu peste Franța). Ministrul de Finanțe al „Regelui Soare” J.-B. Colbert a „supravegheat” dezvoltarea arhitecturii și activitățile Academiilor. În 1663, Colbert a organizat „Academia Inscripțiilor”, special pentru alcătuirea inscripțiilor pentru monumente și medalii care slăvesc regele. Arta a fost declarată chestiune de stat. Artiștilor li s-au dat instrucțiuni directe pentru a glorifica puterea regală nelimitată, indiferent de mijloace.
„Stilul mare” trebuia să reflecte noile idealuri ale absolutismului. Nu putea fi decât Clasicism, asociat cu măreția vechilor greci și romani: regele francez a fost comparat cu Iulius Cezar și Alexandru cel Mare. Dar clasicismul strict și rațional părea insuficient de magnific pentru a exprima triumful unei monarhii absolute. În Italia la acea vreme stilul domina Stil baroc. Prin urmare, este firesc ca artiștii francezi să apeleze la formele barocului italian modern. Dar în Franța, barocul nu a putut să iasă din arhitectura clasicismului la fel de puternic ca în Italia.
Din epoca Renașterea franceză secolul al XVI-lea în această ţară s-au stabilit idealurile Clasicismului, a cărui influenţă asupra dezvoltării artei nu a slăbit până când sfârşitul XIX-lea secole. Aceasta este caracteristica principală„Stil francez”. În plus, formele clasiciste au prins rădăcini pe un alt sol decât în Italia, din puternicele tradiții naționale ale artei romanice și gotice. Asta explică doar de ce elemente individuale, iar principalele principii formative ale artei epocii lui Ludovic al XIV-lea au rămas ideile clasicismului. Astfel, în proiectarea fațadelor clădirilor s-a păstrat designul strict clasicist al pereților, dar elementele baroc au fost prezente în detaliile de design interior, spaliere și mobilier.
Influența ideologiei de stat a fost atât de mare încât din acel moment, etapele individuale ale dezvoltării artei în Franța au început să fie desemnate cu numele regilor: stilul lui Ludovic al XIV-lea, stilul lui Ludovic al XV-lea, stilul lui Ludovic al XVI-lea. . Obiceiul acestui nume a fost mai târziu inversat înapoi la vremea dinaintea domniei lui Ludovic al XIV-lea. O altă caracteristică importantă a epocii a fost că tocmai în Franța, în a doua jumătate a secolului al XVII-lea, a luat contur conceptul de stil artistic. Înainte de aceasta, în Italia, ideile clasicismului, abia începând să prindă contur, au fost imediat înlocuite de manierism și baroc.
Clasicismul ca mișcare artistică a luat contur în Franța și de atunci, nu Roma, ci Parisul a început să dicteze moda în artă și rolul acesteia nu a slăbit în secolele 18, 19 și 20 ulterioare. Pentru prima dată în istorie, în Franța, în epoca lui Ludovic al XIV-lea, stilul a început să fie recunoscut ca cea mai importantă categorie de artă, estetică și a devenit norma de viață, viața de zi cu zi și morala, pătrunzând toate aspectele etichetei curții ( cuvânt care a apărut și la curtea lui Ludovic al XIV-lea). Odată cu conștientizarea stilului vine și estetizarea elementelor formale individuale, cultivarea gustului și un „simț al detaliilor”. Această caracteristică a devenit o tradiție, care de-a lungul mai multor decenii a creat un „simț al formei”, o cultură plastică și o subtilitate a gândirii inerente în mod specific școlii franceze. Dar această cultură nu s-a dezvoltat ușor. La început, idealul renascentist al unei forme holistice, statice, autoechilibrate (oarecum zdruncinat de arta manierismului și barocului) a fost înlocuit de ideea de estetizare a „deliciilor aleatorii” și a mijloacelor individuale de atingere a frumuseții: linia, vopsea, textura materialului. În locul categoriei de compoziție (compositio), propusă de arhitectul și teoreticianul italian L. B. Alberti, se introduce conceptul de „compus mixt” (lat. mixtum compositura). Această fragmentare a început cu artiștii manieristi italieni care au lucrat la curtea lui Francisc I și apoi Henric al II-lea la școala din Fontainebleau. Studenții lor francezi, care lucrau în conți și castele regale de-a lungul râului. Loara și chiar Parisul au format treptat o cultură aristocratică a formei, care mai târziu a strălucit în stilul rococo al secolului al XVIII-lea, dar a dat primele roade în secolul al XVII-lea. „Poate că influența artei franceze asupra vieții straturilor superioare ale Europei, inclusiv a societății ruse, a fost mai puternică în secolul al XVIII-lea, dar fundamentele supremației limba franceza, manierele, moda, plăcerile au fost, fără îndoială, stabilite de vremea „Regelui Soare”.
Nu este o coincidență că a doua jumătate a secolului al XVII-lea este numită „cea mai strălucită perioadă a istoriei franceze”. Cele mai des întâlnite cuvinte, repetate adesea în memoriile și tratatele de estetică ale vremii: măreț, grandoare, lux, festiv... Probabil, splendoarea stilului de artă de curte a creat într-adevăr impresia unei „sărbătoriri eterne a vieții”. Potrivit celebrei memoriste Madame de Sevigne, curtea lui Ludovic al XIV-lea a fost mereu „în stare de plăcere și de artă”... Regele „ascultă mereu un fel de muzică, foarte plăcută. Vorbește cu doamnele care sunt obișnuite cu această onoare... Festivitățile continuă în fiecare zi și la miezul nopții.” În „secolul al XVII-lea strălucit”, stilul, eticheta și maniera au devenit o adevărată manie. De aici și moda pentru oglinzi și memorii. Oamenii doreau să se vadă pe ei înșiși din exterior, să devină spectatori ai propriei poziții. Înflorirea artei portretului de curte nu a întârziat să apară. Luxul recepțiilor de la palat i-a uimit pe trimișii curților europene.
În Marea Galerie a Palatului Versailles, mii de lumânări au fost aprinse, reflectate în oglinzi, iar rochiile doamnelor de la curte erau „atât de pline de bijuterii și aur, încât cu greu puteau merge”. Niciunul dintre statele europene nu a îndrăznit să concureze cu Franța, aflată atunci în apogeul gloriei sale. „Big Style” a apărut la momentul potrivit și la locul potrivit. A reflectat cu acuratețe conținutul epocii - dar nu starea sa reală, ci starea de spirit a minții. Regele însuși nu era interesat de artă; a purtat războaie fără glorie care au epuizat puterea statului. Și oamenii păreau să încerce să nu observe acest lucru, au vrut să arate așa cum li se păreau în imaginația lor. Ce aroganță! Când studiem această epocă, ai senzația că cei mai mari artiști ai ei au fost croitorii și frizerii. Însă, de-a lungul timpului, istoria a pus totul la locul său, păstrând pentru noi marile lucrări ale arhitecților, sculptorilor, desenatorilor și gravorilor. Mania pentru stil și „maniera grandioasă” franceză s-a răspândit rapid în toată Europa, depășind barierele diplomatice și guvernamentale. Puterea artei s-a dovedit a fi mai puternică decât armele, iar Berlinul, Viena și chiar prima Londra au capitulat în fața ei.
În Franța, au existat 16 regi cu numele Ludovic, dar ultimii trei și-au pus amprenta asupra designului interior: Ludovic al XIV-lea, Ludovic al XV-lea și Ludovic al XVI-lea. Stilurile întregi sunt numite după ele - stilurile Louis sau Louis cu numărul de serie corespunzător.
În timpul domniei Regelui Soare, Franța a devenit nu numai o putere puternică, ci și un creator de tendințe în arhitectură și design interior, împingând Italia în plan secund. Pompa și grandoarea disting tot ceea ce a fost creat în acea perioadă: arhitectură, interioare și mobilier. Poate tocmai acesta este motivul pentru care stilul lui Ludovic al XIV-lea este iubit de puterile actuale?
Ludovic al XIV-lea (domnia 1643-1715). Domnia lungă de 72 de ani a lui Ludovic al XIV-lea a avut loc în epoca barocului. În timpul domniei sale, a fost construit Versailles și a fost amenajat Parcul Versailles. Ludovic al XIV-lea este cel care se referă în primul rând atunci când se vorbește despre interior „stil Louis” (se mai numește și „stil grand Louis”, se bazează pe clasicism și include elemente baroc). De la mobilier și mobilier sub soare. Rege, au apărut candelabre de cristal, rame luxoase sculptate aurite și dragostea de a juca cu spațiul folosind oglinzi.
Ludovic al XIV-lea
A. Coypel.Alegoria gloriei lui Ludwig XIV
Ludovic al XIV-lea, supranumit Regele Soare pentru strălucirea și splendoarea cu care s-a înconjurat acest monarh și care i-a însoțit domnia. Ludovic al XIV-lea a patronat artiști, poeți, dramaturgi și compozitori, așa că domnia sa a devenit o perioadă de înflorire fără precedent a culturii franceze.
Castelul de la Vaux-le-Vicomte (1658-1661) l-a costat pe proprietarul său, finanțatorul Ludovic al XIV-lea, libertatea și averea sa: când regele gelos a văzut moșia luxoasă, l-a trimis imediat pe Fouquet la închisoare și a confiscat castelul.
N. Poussin. Dans pe muzica timpului. 1636
Ludovic al XIV-lea a visat să-și înalțe domnia prin construirea unui complex de palate grandios, de neegalat ca splendoare nu numai în Franța, ci în toată Europa. Acest vis a devenit obsesia regelui, pe care a realizat-o timp de mulți ani, în urma căruia celebrul ansamblu de palat și parc a apărut lângă Paris - la Versailles, care astăzi este numit „Muzeul Național al Palatelor Versailles și Trianon”.
Palatul Versailles a fost construit de aceeași echipă ca și Vaux-le-Vicomte. Ordinul regelui „ca cel al lui Fouquet, dar mai cool” a fost îndeplinit întocmai. Andre Charles Boulle, maestru de curte al lui Ludovic al XIV-lea, a intrat în istorie drept cel mai faimos (și acum scump) ebanisfer și creator al stilului „marquetarii Boulle”.
Mobila in stil Ludovic al XIV-lea
Rococo și neoclasicismul (1715-1800) Ludovicul ulterior (XV și XVI) a dat Franței și un stil propriu: rococo jucăuș și plin de flori în primul caz, neoclasicism mai strict și mai restrâns în al doilea. Pana si fragila si capricioasa Regina Maria Antonieta, cu dragostea ei pentru natura si viata „simpla”, a reusit sa lase amprenta istoriei decorului. Marie Antoinette s-a terminat prost, dar a lăsat o amintire bună despre ea însăși.
Ludovic al XV-lea. Portret de van Loo, (domnia 1715-1774)
Ludovic al XV-lea nu era foarte muzical, nu prea încuraja muzica, îi plăceau sculptura și pictura, dar s-a dedicat arhitecturii cu adevărată pasiune.Sub auspiciile lui Ludovic al XV-lea, Place Louis XV (acum Place de la Concorde), unul dintre cele mai mari și mai frumoase piețe ale Europei.Această piață și-a schimbat multe nume. La început a fost locul lui Ludovic al XV-lea, apoi al Revoluției, apoi al Concordei, apoi din nou al lui Ludovic al XV-lea, apoi al lui Ludovic al XVI-lea, din nou pentru a treia oară al lui Ludovic al XV-lea, iar în 1830 din nou și până astăzi este Place de la Concorde.În 1748, prevostul Parisului i-a comandat sculptorului Bouchardon o statuie a lui Ludovic al XV-lea în cinstea recuperării „Regelui iubit”. Au început dispute cu privire la amplasarea monumentului. Câștigător a fost proiectul arhitectului Gabriel, care a avut în vedere utilizarea vastei esplanade dintre Grădina Tuileries și Champs Elysees - locul pentru plimbările pe țară ale aristocrației. Drumul spre Versailles începea chiar de acolo.Pe 30 mai 1770 a avut loc un bal pe piață cu un grandios foc de artificii în cinstea căsătoriei delfinului Ludovic (viitorul Ludovic al XV-lea) cu prințesa austriacă Marie Antoinette. Singura intrare în piață din oraș din acea vreme era Strada Regală încă neterminată (de la Biserica Madeleine); iar trăsurile care o părăseau au căzut sub pâraiele de vin care ţâşneau din fântâni. Una dintre rachete, prost lansată, a căzut pe un arc împletit cu flori de hârtie, iar întreg templul lui Hymen, construit din șipci și flori, a luat foc. A început panica și bruiajul. A doua zi după această „plimbare”, din piață au fost strânse 133 de cadavre. A fost un târg acolo de o lună, care s-a terminat și cu un incendiu.
Ragne Nicolas-Jean-Baptiste
În 1792, statuia regelui a fost aruncată de pe piedestal și trimisă să fie topită pentru tunuri. „Libertate, libertate! Câte crime s-au comis în numele tău!” a spus doamna Rolland, urcând pe schela instalată lângă piedestalul statuii distruse a regelui. Ghilotina s-a mutat curând în Place Carrousel, de cealaltă parte a Grădinii Tuileries, dar la 21 ianuarie 1793, a fost returnată aici din nou special pentru execuția lui Ludovic al XVI-lea, astfel încât nimeni să nu audă ultimele cuvinte ale regelui, fostul pag Louis de Beaufranche, fiul natural al lui Ludovic al XV-lea și curtean, a poruncit execuția.danatorii, adică unchiul regelui executat, au ordonat toboșarii să bată ritmul fără oprire, „până când capul Majestății Sale cade în coș.” De data aceasta, ghilotina, care anterior și-a schimbat locul destul de des, a stat aici timp de 13 luni, deși a fost luată de mai multe ori timp de două sau trei zile în diferite părți ale Parisului. Și pe Thermidor 9, 1794, ea si-a ocupat pentru ultima data fostul loc.De data aceasta, sustinatorii lui Robespierre s-au urcat pe schela unul dupa altul.In total, 2.498 de oameni au fost decapitati in anii revolutiei.Din acestia 1.119 pe piata Concorde.Pe langa rege,Maria Aici au fost executați Antoinette, marele chimist Lavoisier și apoi înșiși iacobinii Hebert, Robespierre, Saint-Just... În 1799, în centrul Place de la Concorde, Napoleon a vrut să așeze Coloana Națiunii pe un gol. piedestal, apoi Obeliscul Luxor a fost așezat pe acest piedestal în 1836. Acesta este cel mai vechi dintre monumentele din Paris (epoca lui Ramses II, adică secolul al XIII-lea î.Hr.).
Domnia sa a căzut în epoca rococo în artă.Ludovic al XV-lea a apreciat în special confortul și comoditatea în designul interior, care s-a reflectat în așa-numitul stil Ludovic al XV-lea.Sub el au apărut scaune cu adevărat confortabile: înălțimea scaunului a scăzut la nivelul obișnuit. 35-38 cm de podea pentru un fotoliu și 45 cm pentru un scaun. Și spătarul scaunelor a devenit înclinat în loc să fie drept. Epoca lui Ludovic al XV-lea este epoca țesăturilor frumoase, a ornamentelor complicate și a modei pentru „chinez”. În plus, mesele de toaletă elegante au intrat în uz în epoca rococo.
în stilul lui Ludovic al XV-lea
Portret de Marie Elisabeth Louise Vigée-Lebrun
Antoine Watteau
Petit Trianon cu interioare în stilul Mariei Antoinette.
Coafurile doamnelor sunt foarte complicate. Sunt la modă știfturile ajurate mobile - „ziternadel” (din german zittern - tremble și nadel - pin). Aigrete asimetrice (coop cu pene, din latină - Egretta, un gen de stârci albi), pene grațioase și, uneori, fluturi strălucitori. Au apărut „buchetele de port” („vaze” de bijuterii pentru buchete de flori proaspete). Bărbații nu au rămas în urmă, împodobând diverse comenzi, catarame de haine și pantofi, mânere de sabie și multe brelocuri cu diamante.
Ludovic al XVI-lea (domnie 1774 - 1793, executat în timpul Revoluției).Ludovic Ferdinand era supraponderal, foarte lacom, neispititor, nu-i plăcea moravurile frivole, jocurile și balurile, nici măcar vânătoarea nu-l interesa. Dar a cântat de bunăvoie la orgă și a cântat corale.
Louis Jean Francois Lagrenée
Stilul Ludovic al XVI-lea pune accentul principal pe simțul proporției în orice: draperii clasice sofisticate, mobilier de proporții stricte și grațioase. Sub Ludovic al XVI-lea a apărut și a intrat în uz un scaun cu spătarul medalion.
Joseph-Siffred Duplessis.Portretul lui Ludovic al XVI-lea
Stilul Ludovic al XVI-lea din interior este un exemplu izbitor de neoclasicism în design și arhitectură. Formarea sa a fost influențată semnificativ de săpăturile din orașele antice, care au readus tradițiile antice grecești și romane palatelor franceze. Amestecul de tradiții antice clasice în arhitectură cu rococo a fost întruchipat în aspectul acestui stil. Ca o consecință a revenirii modei în antichitate, interioarele sub Ludovic al XVI-lea și Marie-Antoinette au devenit mai restrânse, formele mai simple.
salon în stil Ludovic al XVI-lea
Moda clasicismului a stins rococo-ul neîngrădit și pretențios, dar nu complet. Ca urmare, se poate observa diversitate în articolele de interior - linii drepte, stricte - picioarele scaunelor, dulapurilor și dulapurilor sunt atenuate de tăbliile rotunjite ale patului, scaunelor, fotoliilor și canapelelor. Ovalul este cea mai populară figură în majoritatea elementelor de design interior în stil Ludovic al XVI-lea. Această formă a fost folosită la proiectarea meselor, oglinzilor și a altor mobilier. Culorile predominante sunt deschise, pastelate, cu utilizare moderată a auririi - a fost folosită pentru decorarea ornamentelor, colțurilor și mânerele ușilor. Temele de decor împletesc două teme - elemente clasice antice (coroni de laur, mascaroane, personaje din mituri antice) și motive pastorale, provinciale introduse în stil de Marie Antoinette (un buchet de flori, spice de porumb, panglici și obiecte de uz casnic rural). Stilul Ludovic al XVI-lea a avut o influență semnificativă asupra dezvoltării designului interior al vremii și a rămas popular până în secolul al XIX-lea.
Napoleon I
Stilul Imperiu (1800-1820) Atitudinea agresivă a lui Napoleon I s-a manifestat nu numai în numeroase campanii militare, ci și în inculcarea spiritului imperial în arhitectură și interioare. Sever și marțial, stilul Empire a fost inspirat de marile civilizații din trecut: Grecia antică, Roma și Egipt.
Imperiul (stil francez Empire - „stil imperial”) este stilul clasicismului târziu (înalt) în arhitectură și arte aplicate. Originar din Franța în timpul domniei împăratului Napoleon I; dezvoltat în primele trei decenii ale secolului al XIX-lea; a fost înlocuită de mișcări eclectice.
Caruselul Arcului de Triumf (1809) a fost construit în cinstea victoriilor armatei napoleoniene. Principalii arhitecți ai stilului Empire - Percier și Fontaine - l-au decorat cu o copie a cvadrigii lui Constantin I la Veneția și basoreliefuri care ilustrează bătăliile lui Napoleon.
Stilul Empire este etapa finală a clasicismului.În Franța imperială, stilul Empire s-a remarcat prin solemnitatea și fastul arhitecturii memoriale și a interioarelor palatului create de arhitecții curții lui Napoleon Charles Percier și Pierre Fontaine.
Palatul Compiegne nu a fost singura reședință a lui Napoleon, dar aici se păstrează cel mai bine interioarele imperiale.
„Portretul doamnei Recamier” de Jacques-Louis David, 1800
Madame Recamier nu a fost doar o frumusețe și o doamnă de societate, ci și progenitoarea canapelei Recamier.
În perioada de glorie a stilului Imperiului, diademele erau foarte apreciate, atât prețioase, cât și mai modeste – sub formă de coroane de laur auriu sau coroane din spice de cereale sau frunze de stejar. Cameurile au continuat să aibă o importanță deosebită (nu doar cele antice, ci și cele din vremuri de mai târziu).
F.S. Gerard. Josephine de Beauharnais, împărăteasă. 1808
Când Napoleon a devenit împărat, perioada libertăților revoluționare a dispărut și, deși silueta generală a fost păstrată, doamnele au început să se expună mult mai puțin, iar decolteul s-a strecurat în sus. Mai aproape de 1804, rochia se închide până la gât, apar mâneci, iar trena dispare complet. Câțiva ani mai târziu, fusta a fost ușor scurtată. Există o poveste binecunoscută despre cum Napoleon a observat o tânără frumoasă într-o ținută foarte îndrăzneață. A chemat-o cu voce tare din mulțime și a spus amenințător: „Doamnă, sunteți dezbrăcat, mergeți să vă îmbrăcați!” Perioada Imperiului a introdus mătase și catifea grele, ornamente antice masive și broderii de aur pe trenurile de rochii - designul lor a fost dezvoltat pentru încoronarea lui Bonaparte.
Franz Xaver Winterhalter Napoleon III
Al Doilea Imperiu (1850-1870) Napoleon al III-lea nu era la fel de interesat de decorare ca unchiul său. Deși nu a recunoscut pluralismul în politică, l-a tolerat pe deplin în arhitectură, ceea ce a dus la apariția unor clădiri atât de diferite, cum ar fi magnifica Operă și Gare du Nord, metalic dantelat. Marea Operă: în 1861, prezentând proiectul împărătesei Eugenie, arhitectul Charles Garnier a răspuns cu resurse la întrebarea ei despre stilul clădirii: „Acesta este stilul lui Napoleon al III-lea!” Teatrul a fost deschis în 1875, când Napoleon al III-lea fusese deja răsturnat.
scara principală
Sub el, baronul Haussmann a realizat o reconstrucție la scară largă a Parisului. La câteva luni după adoptarea constituției liberale din 1870, care a restituit drepturile parlamentului, domnia lui Napoleon a fost pusă capăt de războiul franco-prusac, în timpul căruia împăratul a fost capturat în Germania și nu s-a mai întors niciodată în Franța. Napoleon al III-lea a fost ultimul monarh al Franței.
Împărăteasa Eugenie, soția lui Napoleon al III-lea, și-a dat numele stațiunii termale Eugénie-les-Bains și unei vile din Biarritz.
Baronul Haussmann a remodelat complet Parisul medieval, ceea ce i-a câștigat ura contemporanilor săi și recunoștința urmașilor săi.
Lucrarea de urbanism a baronului Haussmann în secolul al XIX-lea, în numele lui Napoleon al III-lea, a determinat în mare măsură aspectul modern al Parisului. Reamenajarea orașului a inclus nu numai lucrări de schimbare a aspectului exterior al orașului, dar a dus și la o îmbunătățire a infrastructurii Parisului.Nevoia de schimbare era de mult așteptată.Autoritățile orașului se gândeau la necesitatea reconstruirii orașului. centrul Parisului și anume: îmbunătățirea terasamentelor Senei și demolarea caselor construite pe poduri. În anii de dezvoltare industrială intensivă a Franței și, în primul rând, a Parisului, populația orașului a crescut într-un ritm excepțional de rapid - într-un secol populația a crescut de cinci ori - de la 0,55 milioane în 1800 la 2,7 milioane în 1901. În unele cartiere, densitatea populației a ajuns la 100.000 de persoane pe km². Orașul s-a dovedit a nu fi destinat unui număr atât de mare de locuitori: o rețea de străzi strâmbe înguste, construite dens cu clădiri, a îngreunat-o. trafic, iar condițiile sanitare precare au dus la dese focare de epidemii, care, la rândul lor, au dus la părăsirea orașului bogați și mutarea în suburbiile din nord și vest, iar centrul capitalei s-a transformat într-un sfert din săraci, de asemenea supus unor tulburări sociale frecvente.
Pentru a elimina astfel de probleme, a fost necesară o reamenajare majoră.Planurile împăratului includeau nu numai îmbunătățirea legăturilor de transport, a sistemului de sănătate din Paris și îmbunătățirea condițiilor de viață ale clasei de jos, dar și creșterea autorității sale în rândul parizienilor. În plus, străzile largi, clar vizibile, au facilitat organizarea paradelor militare și au îngreunat blocarea străzilor cu baricade în cazul unei alte revoluții.
La o zi după capitularea lui Napoleon al III-lea, la Paris a început Revoluția din septembrie, răsturnând guvernul împăratului. Eliberat din captivitate după încheierea păcii, a plecat în Anglia, unde a trăit până la sfârșitul zilelor sale.
Afiș pentru Expoziția Universală de la Paris din 1900
Art Nouveau (1890-1910) Art Nouveau francez a fost doar o parte a mișcării împotriva reproducerii stilurilor vechi care a măturat Europa la sfârșitul secolului al XIX-lea, dar apoi a fost recunoscut oficial - la Expoziția Mondială de la Paris din 1900.
Turnul Eiffel, simbolul Expoziției Mondiale din 1889 de la Paris și cea mai scandaloasă clădire din istorie, nu are curbe delicate, dar în spirit corespunde „nouei arte”: la bază se află aceeași pasiune pentru folosirea celor mai noi. realizări ale progresului precum structurile metalice.
Daum Vase, 1897
Hector Guimard și-a pus în siguranță locul în istoria Art Nouveau prin proiectarea intrărilor în metroul parizian (1899-1904), care a devenit „cartele de vizită” ale Parisului.
broșe ale bijutierului Wilhelm Lucas von Cranach.
Unul dintre cele mai bune exemple de art nouveau, Villa Majorelle din Nancy (numită după proprietarul, un faimos ebanist) a fost construită de Hector Guimard și Henri Sauvage.
Capodopera Art Deco - stația de metrou Mayakovskaya
Art Deco (1920-1940) În anii 1920, motivele florale și liniile fluide ale Art Nouveau au fost înlocuite cu un Art Deco strict și geometric, mai în concordanță cu epoca trenurilor de mare viteză, transatlantice și avioane. Și, ca de obicei, francezii au fost înaintea celorlalți. Pachetul Normandia (1931) a devenit un triumf al Art Deco: au lucrat pe navă cei mai buni maeștri stil (Lalique, Dunant, Dupas si altii).
Demetre H. Chiparus
Rene Lalique
Modernismul (1920-1960) O continuare logică a Art Deco, acest stil se suprapune parțial cu acesta în timp, dar se distinge prin funcționalitate și mai mare, absența unui decor bogat și utilizarea materiale moderneîn loc de bronz şi lemn scump. Le Corbusier este fondatorul modernismului și, în general, unul dintre principalii arhitecți ai secolului XX.
Lucrările lui Pablo Picasso (aici - „Femeie pe scaun”, 1937) și Georges Braque au influențat foarte mult dezvoltarea modernismului în alte domenii.
Provence (anii 1990) Peisajele din Provence și-au dat culorile - albastru, turcoaz, lavandă, ocru, măsline - interioarelor locale.
Vincent Van Gogh. „Viile roșii din Arles”, 1888
Lucrurile de design modern sunt destul de acceptabile într-un interior provensal, singura condiție sunt culorile și materialele naturale.Bucătăria ar trebui să fie mare și confortabilă, plină cu tot felul de ustensile de cupru, oale de lut și borcane cu condimente.
Bohemian chic (anii 2000) Deși acest stil nu este consacrat oficial în cărțile de referință, simțim că este cel pe care francezii îl iubesc cel mai mult. Merită să înveți de la ei ușurința cu care amestecă scumpul cu ieftinul, design modern cu antichități, artă cu suveniruri etnice, înalte cu amuzante. Principalul lucru este să nu vă fie frică să exagerați. Chic tipic boem: un șezlong vintage care i-a aparținut lui Colette, un covor de designer de la galeria Nilufar, multă artă și etnie - și toate acestea într-un apartament parizian burghez cu stucaturi.
Mobilierul duo-ului de sculptori Claude și François-Xavier Lalanne (aici: masa cu rinoceri) a devenit un atribut indispensabil al chic-ului boem. Desigur, pentru cei care își permit. Valorează milioane.
Prezentarea a fost făcută pentru lecția „Clasicism” conform cursului Emokhonova (MHC clasa a XI-a). Dar acest material poate fi folosit în lecțiile de Istorie generală și în învățământul suplimentar. Conține un număr mare de ilustrații. Conceput pentru elevii de gimnaziu și liceu. Autorul îl folosește cu succes în lecții de câțiva ani.
Descarca:
Previzualizare:
Pentru a utiliza previzualizările prezentării, creați-vă un cont ( cont) Google și conectați-vă: https://accounts.google.com
Subtitrările diapozitivelor:
Clasicismul: arta clasicismului, marele stil regal al lui Ludovic al XIV-lea Plan de lecție Ce este clasicismul? Ce este Grand Royal Style? Arhitecți de frunte ai clasicismului francez Regele Soare ca operă de artă Artiști ai clasicismului francez Întregul secol al XVII-lea... Concluzii... Să ne testăm pe noi înșine? Prezentarea a fost făcută de profesorul Școlii MHC GBOU 1164 Geraskina E.V. Moscova
Clasicismul este al doilea sistem stilistic al secolului 17. Ca stil, clasicismul a apărut în Anglia și Olanda (țările în care au avut loc primele revoluții burgheze). Dar clasicismul capătă o semnificație specială în Franța. Rezultatul luptei brutale și sângeroase împotriva separatismului feudal pentru puterea centralizată a fost victoria absolutismului. Religiozitatea fanatică este înlocuită cu „credința fără excese”, care a predeterminat orice dezvoltare ulterioară a culturii.
Cerințele absolutismului pentru artă... Noile idealuri ale statului au cerut artei asemenea forme care să fie asociate cu măreția conducătorilor grecilor și romanilor antici. Cu toate acestea, clasicismul englezesc strict (rațional) nu părea suficient de magnific pentru a-l glorifica pe Ludovic al XIV-lea - „Regele Soare”. Prin urmare, arhitecții și artiștii francezi apelează la formele capricioase și sofisticate ale barocului italian.
„Marele stil regal” Principala diferență: combină rigoarea formelor clasice în arhitectură și arta peisajului cu fastul barocului în decorarea interioară. Cel mai viu realizat: Versailles (1624-1687) - reședința de țară preferată a regelui Ludovic al XIV-lea.
Versailles Louis Leveau (1612-1670) Vechiul palat de vânătoare al lui Ludovic al XIII-lea a fost extins și, în tradițiile clasicismului, axa sa centrală a fost evidențiată de portalurile frontale și de grădină. De-a lungul celor trei bulevarde radiale de la intrarea principală de est, puternicii acestei lumi au venit la palat din Paris, Saint-Cloud și So. Cultura de curte a perioadei Versailles a iubit astfel de nuanțe, iar ansamblul Versailles a fost folosit ca fundal de teatru în scopul glorificării magnifice a monarhului.
Versailles de Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) Palatul a fost mărit datorită extinderilor. Galeria oglinzilor lega camerele de stat ale regelui și reginei și forma fațada unui parc. Fațada parcului a dat Versailles-ului severitate clasică: predominanța liniilor orizontale, una singură acoperis plat Corespondența dimensiunilor exterioare ale clădirii cu dimensiunea camerelor interioare.
Versailles de grădinarul-planificator Andre Le Nôtre (1613-1700) „PARCUL ESTE arhitectura verde ceremonială” Caracteristicile unuia dintre primele parcuri obișnuite: 1. Prezența unui gard exterior, 2. Utilizarea terenului plat, 3. Împărțirea axială a zonei printr-o alee centrală largă cu plantații simetrice de-a lungul ambelor părți. 4. Elementele obligatorii ale parcului sunt gazonul cu iarbă și paturile de flori. 5. Marele Canal, rezervoare uriașe plate 6. Spaliere de tisă tăiate, alei radiale și priveliști îndepărtate. 7. Pentru a distra un număr mare de invitați.
Rezervoarele plate servesc ca oglinzi gigantice duplicând spațiul, aleile radiale îl extind vizual la infinit. Aleea axială, pornind de la fațada parcului a palatului și trecând în Marele Canal, creează impresia de profunzime nemărginită și de măreție excepțională a parcului, exprimând ideea de inaccesibilitate a persoanei regale. Aleea centrală, care părăsește palatul în direcția vestică, „absoarbe” alte alei și „se varsă” în Marele Canal, parcă astfel încât toate pădurile, câmpurile și apele țării să poată apărea în fața domnitorului în modul prescris. .
Ritualurile „Stăpânului naturii” Într-o zi de iarnă, regele a ieșit cu alaiul său în parc și s-a dovedit că parterele de flori erau parfumate cu flori proaspete (de aceea toate florile din Versailles erau plantate în ghivece). ; era mai convenabil să le înlocuiți pe cele ofilite). S-a dovedit că prezența „Regelui Soare” revigorează plantele. Ludovic al XIV-lea și-a plantat personal garoafele sale preferate, narcise jonquile și tuberoze în ghivece, pe care lingușitorii de la curte le-au înlocuit cu altele înflorite, asigurând că influența sa magică asupra naturii a permis plantei plantate să se dezvolte într-o zi.
Ludovic al XIV-lea - Regele Soare și Apollo... Simbolismul solar, care leagă imaginea „Regelui Soare” Ludovic al XIV-lea cu zeul soarelui Apollo, a servit aceleași scopuri. Amenajarea obișnuită a grădinii în sine reflectă ideea naturii ciclice a naturii, a cărei viață vine de la soare. Aleile radiale sunt asociate cu razele soarelui. Toate sculpturile din grădină și fântâni din Versailles sunt, de asemenea, subordonate mitologiei soarelui. Fântâna Apollo de la baza Marelui Canal reprezintă zeul soarelui care iese din mare pe o cvadrigă, însoțit de delfini și tritoni care suflă scoici. Soarele amintește de statuile alegorice ale anotimpurilor, zilelor, personaje ale mitologiei antice asociate cu Apollo, precum vânătoarea Diana, sora lui, sau tânărul Hyacinth, transformat în floare de Apollo.
simbolismul palatului Simbolismul palatului, care ocupă un loc central în ansamblul palatului și parcului Versailles, toate locuințele sale purtau amprenta „ritualității”. Principalul „altar” al palatului - dormitorul regelui - era situat pe axa centrală est-vest și avea ferestrele îndreptate spre soarele răsare. În urma soarelui, „regele soarelui” s-a mutat în sălile de stat dedicate zeilor antici Apollo, Venus și Marte. Evenimentele zilei au culminat în Galeria Oglinzilor, unde au avut loc ceremonii de prezentare a unor persoane nobile la rege, puse în scenă ca un spectacol de teatru magnific în care regele însuși a cântat la prima vioară.
Caracteristici ale decorului interior al orașului Versailles: a predominat tema soarelui-Apollo, ca o amintire a exclusivității lui Ludovic al XIV-lea. Tapiserii uriașe de lungime de perete - verdețuri (din francezul Verdure - verdeață) înfățișând peisaje și scene de vânătoare au duplicat viața curții regale. Abajururile pitorești care povesteau despre faptele și aventurile zeilor sugerau timpul liber al conducătorului atotputernic. Oglinzile mari, care reflectau ansamblul parcului, evocau iluzia spațiului nesfârșit în care domnește „regele soare”. Sculptură asemănătoare cu antice, bronz, pardoseli și pereți din marmură multicoloră, mobilier prețios încrustat cu carapace și sidef - tot acest lux a îndepărtat pe cât posibil mediul de viață de proza vieții.
Secolul XVII pentru cultura mondială 1. Una dintre cele mai semnificative perioade din istoria culturii. 2. În urma Renașterii și înaintea Iluminismului, el a moștenit multe din primul și a anticipat descoperirile celui de-al doilea. Caracteristica principală a epocii este dezvoltarea simultană a două sisteme de stil de conducere - baroc și clasicism, în prezența unui concept artistic semnificativ al secolului - realismul.
Semnificația culturii secolului al XVII-lea: Pentru prima dată, arta a depășit granițele unui stil mare și consacrat în arhitectură, așa cum a fost în vremurile anterioare. Barocul a creat artă plină de mișcare, energie și pasiune. Era stăpânit de impulsuri către infinit, transcendental, afectat. Clasicismul secolului al XVII-lea a pus în contrast dinamica spontană a barocului cu idealul de echilibru, regularitate și raționalism.
Semnificația culturii secolului al XVII-lea (2): Realismul secolului al XVII-lea, care a apărut ca reacție la complexitatea și abstractizarea artei degenerate a manierismului târziu, a creat imagini în care lumea interioară a unei persoane și emoționalul mediul care îl înconjura au fost măsurate nu atât pe scara vieții de zi cu zi cât a eternității. În secolul al XVII-lea culturile naționale europene, păstrând în același timp specificul local, au realizat acest lucru nivel inalt comunitate, ceea ce a făcut posibil să se vorbească despre formarea unei culturi artistice mondiale unificate a secolului.
Întrebări și sarcini 1. Ce trăsături indică „viața de grădină” a clasicismului francez? Pentru a răspunde, utilizați ilustrațiile din sarcina nr. 17 în registrul de lucru. 2. Completați sarcina nr. 18 din registrul de lucru. 3. Finalizați sarcina finală pentru secțiunea „Cultura artistică a secolului al XVII-lea” din caietul de lucru. 4. Activitati de proiect. Găsiți caracteristici ale esteticii barocului în realitatea înconjurătoare. Cum se manifestă în arhitectură, decor, spectacole de teatru, îmbrăcăminte, accesorii, tipuri umane? Identificați diferențele în arhitectura grădinii și a parcului din baroc și clasicism în orașul dvs., centrul regional, moșiile suburbane din Sankt Petersburg și Europa de Vest.
Lush „stil Louis XIV” în interior
Interioarele din vremea lui Ludovic al XIV-lea capătă, în contrast cu aspectul exterior al clădirilor din acest timp, un caracter extrem de magnific, solemn și ceremonial. Îndeplinindu-și rolul social și istoric, ei au servit drept fundal bogat, luxuriant și în același timp monumental pentru ceremoniile și ritualurile vieții de curte ale vremii. Franța în această perioadă a fost cel mai puternic stat din Europa. Dictatorul artistic al vremii, artistul de curte Charles Lebrun, a căutat să îmbunătățească sunetul maiestuos al decorațiunii interioare, introducând marmură policromă în decor în combinație cu bronz aurit, reliefuri și picturi de tavan spectaculoase în exterior. În interioare au fost folosite elemente de comandă, în principal pilaștri și semicoloane, dar atenția principală nu a fost acordată exactității proporțiilor acestora, ci mai degrabă finisajului - placare cu marmură colorată. Rolul principal în decorarea incintei l-au jucat ramele grele și detaliile plastice arhitecturale, care încadrau și decorau secțiuni individuale ale pereților, cornișelor și erau așezate sub formă de desudeportes deasupra ușilor și pe abajururi. Printre exemple se numără decorațiunile Palatului Versailles, inclusiv sălile Războiului și Păcii.
Rolul principal în determinarea stilului de artă decorativă din acest timp, după cum sa menționat, i-a aparținut lui Charles Lebrun, iar în dezvoltarea mostrelor în prima perioadă a perioadei de glorie a barocului - artistul Jean Lepautre.
Mobilierul palatului în stilul lui Ludovic al XIV-lea s-a remarcat prin bogăția și suprasaturarea designului, în primul rând sculpturi, acoperite abundent cu aurire. Pe lângă mobilierul cu prelucrare sculptată, mobila devine la modă "stil taur", numit ulterior după fierarul de la curte Andre Charles Bulle (1642 - 1732). Având o structură destul de simplă, obiectele au fost realizate din lemn colorat, în principal abanos, fiind decorate din belșug cu rame de oronze umplute cu inserții de carapace, sidef și alte materiale, tije, rozete și alte detalii. Baza compozițională a constat din panouri cu introducerea unor figuri umane încadrate de ornamente răsucite. Mobilierul lui Bull, bogat și rafinat, producea în același timp o senzație de o anumită uscăciune a formei.
Din anii 1680, mobilierul realizat în acest stil a căpătat o rafinament deosebită în decorare, datorită deplasării pieselor din lemn de metalul lucios - bronz aurit. Argintul, alama și tabla au fost, de asemenea, folosite în decorațiuni.
Fotoliile, scaunele și canapelele, care deveneau răspândite în acest moment, au picioare în formă de S sau piramidale care se îngustează în jos. Forma cotierelor devine, de asemenea, mai complexă. Scaun moale, spate înalt iar parțial cotierele sunt acoperite cu diverse țesături elegante de tapiserie cu imagini de copaci, flori, păsări și bucle ornamentale. Tipurile de scaune devin din ce în ce mai diverse, în special, apar scaune cu două proeminențe laterale semicirculare la spate la nivelul capului - mai ales pentru persoanele în vârstă. Prin combinarea a trei fotolii interconectate cu cotiere care lipsesc din scaunul central, sunt create canapele. Ramele spatelui lor capătă contururi moi ondulate.
În acest moment, mobilierul de dulap a devenit mai răspândit: mese de diferite forme, console de perete, cel mai adesea pe picioare îndoite, comode, care înlocuiau cufere pentru depozitarea lenjeriei. Sculpturile bogate și detaliile din bronz aurit sunt utilizate pe scară largă în decorare. Mobilierul din acest timp, greu și monumental, a căpătat o mare diversitate compozițională atât în ansamblu, cât și în elemente individuale.
Arta aplicată din mijlocul și a doua jumătate a secolului al XVII-lea, așa cum sa menționat mai sus, a fost de mare importanță pentru decorarea interioară. Locurile erau decorate cu tapiserii, covoare savoneri așezate pe podea, țesături de mătase, draperii și fețe de masă și argintărie, care au devenit din ce în ce mai răspândite și importante în timp.
CU sfârşitul XVII-lea secolului, din cauza deteriorării situației economice a țării, inclusiv a curții regale, cauzată de eșecuri de natură militară și politică, luxul extrem de decorare observat la curtea lui Ludovic al XIV-lea face loc unei relative rețineri. Elementele de clasicism sunt îmbunătățite în interioare.
