Ottimo stile Louis. Grande stile del re Luigi XIV
Lo “Stile di Luigi XIV” gettò le basi della cultura internazionale della corte europea e assicurò con il suo trionfo la riuscita diffusione delle idee del Classicismo e stile artistico Il Neoclassicismo nella seconda metà del XVIII secolo - inizio XIX secoli nella maggior parte dei paesi europei. Altro caratteristica più importante dell’era del “Grand Style” è che è in questo periodo che prendono finalmente forma l’ideologia e le forme dell’accademismo europeo. Nel 1648, su iniziativa del “primo pittore del re” Berger O. La storia del mondo// Nuova storia T. 3, San Pietroburgo, 1999. P.171. Lebrun fondò l'Accademia reale di pittura e scultura a Parigi. Nel 1666 fu creata a Roma l'Accademia francese di pittura. Nel 1671 fu organizzata a Parigi la Reale Accademia di Architettura. F. Blondel il Vecchio ne fu nominato direttore e A. Felibien fu nominato segretario. Il “grande stile” richiedeva grandi soldi. La corte reale, l'aristocrazia di corte, le Accademie e la Chiesa cattolica riuscirono a creare, almeno nel raggio della capitale, un ambiente in cui sorsero costosi capolavori. Innanzitutto era necessaria la costruzione di grandiosi complessi architettonici. Furono introdotte le posizioni ufficiali di "architetto del re" e "primo architetto del re".
Tutti i lavori di costruzione sono stati eseguiti dal Dipartimento del Cantiere. Nel 1655-1661. l'architetto L. Levo costruì il palazzo di Vaux-le-Vicomte per N. Fouquet, il “controllore reale delle finanze”. Il parco in stile regolare è stato allestito da A. Le Nôtre, gli interni sono stati brillantemente progettati da C. Lebrun. Il palazzo e il parco suscitarono un'invidia così forte da parte del re Luigi che il ministro Fouquet fu gettato in prigione con il primo pretesto, e a Levo e Le Nôtre fu ordinato di costruire qualcosa di più grandioso a Parigi e Versailles. Nel 1664-1674. La costruzione della facciata orientale completò l'insieme architettonico del Louvre, la principale residenza reale di Parigi. La facciata orientale è chiamata il “colonnato del Louvre” per la potente fila di doppie colonne del “grande ordine”. Colonne con capitelli corinzi rialzati piano terra e si estendono sul secondo e terzo piano, creando un'immagine potente, austera e maestosa. Il colonnato si estende per 173 metri. La storia della creazione di questo capolavoro è interessante. L'eccezionale maestro del maturo barocco romano, J. L. Bernini, è stato invitato a partecipare al concorso. Ha presentato un progetto barocco con facciate riccamente curve, ricche di molte cose elementi decorativi, ma i francesi preferivano il proprio, domestico, più rigoroso e classico. Il suo autore si rivelò non un costruttore professionista, ma un medico appassionato di architettura e nel tempo libero tradusse il trattato di Vitruvio in francese. Era C. Perrault. Difese esclusivamente gli antichi, antichi fondamenti italiani dell'architettura classicista. Insieme a C. Perrault, F. de Orbe e L. Levo presero parte alla costruzione del Louvre, che creò le nuove ali settentrionale e meridionale del palazzo V.B. Lysyan. Luigi XIV sullo stato e il potere reale // Storia nuova e recente N. 5 M., 2002. P.145..
Durante il regno di Luigi XIV divenne famoso l'architetto e fortificatore S. de Vauban, che costruì oltre trenta nuove città fortificate e ricostruì molte di quelle antiche. L. Levo divenne l'autore di due edifici eccezionali che ebbero un'influenza significativa sullo sviluppo dell'architettura del classicismo europeo: l'Hotel Lambert (1645) e l'insieme del “Collegio delle Quattro Nazioni” (“Istituto di Francia”; 1661-1665). Vicino al Collège de France nel 1635-1642. l'architetto J. Lemercier costruì la chiesa della Sorbona con una facciata in stile barocco italiano (contiene la tomba del cardinale Richelieu, rettore dell'università). Come la cappella del Collège de France, la chiesa della Sorbona è coronata da una “cupola francese”, insolita per l'epoca. Nel 1671-1676. L. Bruan fece erigere un complesso di edifici per gli Invalides per i veterani di guerra sulla riva sinistra della Senna. Nel 1679-1706. l'architetto J. Hardouin Mansart ha completato questo insieme con il suo capolavoro: la Chiesa degli Invalides. La sua cupola con ornamenti dorati, la “lanterna” e la guglia sono visibili da lontano. Le chiese dell'Istituto di Francia, della Sorbona e degli Invalides erano un nuovo tipo di edificio classicista, a pianta centrica, con portico, frontone triangolare e cupola su tamburo con colonne o pilastri. Questa composizione - il cosiddetto "schema francese" - costituì la base per molte successive opere di architettura del classicismo europeo dei secoli XVIII-XIX, anche in Russia. Nel 1685-1701. Secondo il progetto di J. Hardouin-Mansart, nel centro di Parigi fu creata Place Louis the Great (poi Place Vendôme). A pianta rettangolare, con angoli tagliati, fu concepito come un insieme cerimoniale in onore del Re Sole. Al centro c'era una statua equestre di Luigi XIV di F. Girardon (1683-1699); distrutto durante la rivoluzione del 1789. Le facciate degli edifici che incorniciano la piazza hanno lo stesso tipo di portici, che conferisce integrità e completezza alla composizione. Un'altra piazza in onore del re, anch'essa progettata da J. Hardouin-Mansart, è la “Piazza della Vittoria” (Place des Victoires) creata nel 1685. Era decorata con una statua equestre di Luigi XIV dello scultore olandese M. fan Len Bogart (soprannominato Desjardins); distrutto durante la rivoluzione del 1792 (restaurato da M. Bosio nel 1822; vedi Cavallo).
Nel 1672, secondo il progetto del capo dell'Accademia reale di architettura, F. Blondel il Vecchio, l'Arco di Saint-Denis fu eretto in onore delle vittorie delle armi francesi - la traversata dell'esercito del re Luigi attraverso il Reno. Blondel riconsiderò la forma dell'Arco di Trionfo romano e creò un nuovo tipo di struttura, il “Grand Style”. I bassorilievi dell'arco, basati sui disegni di Charles Lebrun, sono stati realizzati dagli scultori fratelli Angier. Dal 1676, Blondel sviluppò un nuovo piano generale per Parigi, che prevedeva la creazione di grandi complessi architettonici e prospettive. F. Blondel fu un teorico eccezionale; nel suo “Corso di architettura” (1675), sostenne che le basi dello stile classicista non risiedono “nell’imitazione di Roma”, ma nel pensiero razionale e nel calcolo accurato delle proporzioni. Il creatore del Colonnato del Louvre, C. Perrault, discusse con lui. Nel 1691 fu pubblicato un altro trattato teorico con lo stesso titolo: “Corso di architettura” da Sh.-A. de Aviler. Nel 1682, Luigi XIV lasciò Parigi e la corte si trasferì in una residenza suburbana: Versailles.
Questo gesto è visto come il desiderio del re di creare una nuova brillante capitale, interamente associata solo al suo nome. Tra gli scultori del “Grand Style”, F. Girardon, A. Coisevo, N. Coustu (il cui fratello minore è noto per i gruppi di “cavalli Marley”), P. Puget, J. Sarazin, J.-B. Tubo. Durante il regno di Luigi XIV lavorarono due pittori eccezionali: C. Lorrain e N. Poussin. Lavoravano in Italia e nelle loro aspirazioni erano lontani dal pomposo “Big Style”. Romanziere convinto, C. Lorrain è un paesaggista, paroliere e romantico. N. Poussin ha creato capolavori che incarnano le idee del “puro” classicismo romano, che incarna anche romanticamente l’armonia dell’antichità. Nonostante le richieste del re, Poussin non voleva lavorare in Francia e diventare pittore di corte. Pertanto, gli allori del pittore di corte furono vinti prima dal freddo e noioso accademico S. Vuz, e poi dal suo studente P. Mignard. In questi stessi anni divampò la famosa disputa tra i “poussinisti” (aderenti al classicismo) e i “rubensisti” (sostenitori del barocco). Alla Royal Academy of Painting, i “poussinisti” furono sostenuti da C. Lebrun, e i “Rubensisti” da P. Mignard e Roger de Pille. Ch. Lebrun venerava Raffaello e Poussin e dedicava a questi artisti lezioni speciali all'Accademia; nel 1642 accompagnò Poussin in Italia e lavorò per qualche tempo accanto a lui a Roma. Ma è caratteristico che il dilemma “Poussin-Rubens” (Classicismo-Barocco), riflesso tra le mura dell’Accademia di Parigi dal confronto Lebrun-Mignard, abbia perso il suo significato, tanto simile era la pittura accademica: l’accademismo livellava le differenze di stile . I ritratti di corte dello stile “grande statuetta, o alto”, creato da S. Vouet e P. Mignard sono talvolta chiamati “accademismo barocco”. Dalle pareti della Galleria Apollo al Louvre, i re francesi e i migliori artisti francesi dell'epoca ci guardano: in tutti i ritratti si nota un'espressione sprezzante e condiscendente, e sul volto del Re Sole (ritratto di Lebrun) c'è una smorfia sprezzante. La stessa espressione si trova in un'opera di magnifica pittura e composizione: il ritratto di Luigi XIV di I. Rigaud. La maggior parte dei dipinti del "primo pittore del re" C. Lebrun sono gli esempi più noiosi del classicismo accademico Lysyanov V.B. Luigi XIV sullo stato e il potere reale // Storia nuova e recente N. 5 M., 2002. P.147..
Al Louvre c'è una grande sala completamente piena di enormi tele di Charles Lebrun, è insopportabile guardarle. Allo stesso tempo, il "Ritratto del cancelliere Seguier" (1661), la sua opera, è un'opera squisita in termini di pittura. Queste contraddizioni riflettono le sfumature dell’era del Grand Style. Un contributo significativo all'arte della ritrattistica cerimoniale in “stile statuario” è stato dato dagli eccezionali incisori J. Morin, C. Mellan, R. Nanteuil, J. Edelinck. Il pittore N. de Largilliere, che, come molti altri ritrattisti, lavorò sotto l'influenza di A. Van Dyck, dipinse bellezze secolari sotto forma di antiche dee e ninfe sullo sfondo di un paesaggio forestale, che anticipava le caratteristiche del Stile rococò della metà del secolo successivo. Nel XVII secolo In Francia sono state create le migliori opere nel genere dell'incisione ornamentale, per non dire altro: è stato creato il genere stesso. Le composizioni di J. Lepôtre, D. Marot the Elder e J. Marot the Elder, raccolte in grandi album (“Vases”, “Portals”, “Plafonds”, “Cartouches”, “Fireplaces”, “Borders”) dimostravano perfettamente la caratteristiche principali del “Grand Style”, si diffusero in molti paesi e ebbero un'influenza significativa sullo sviluppo dell'arte decorativa in tutta Europa. Lavorando in questo genere, gli artisti non si sono lasciati guidare dalla trama e dalle esigenze del cliente, ma hanno dato libero sfogo alla loro immaginazione, elaborando alla perfezione i singoli elementi formali dello stile.
L'emergere dello stile
Grande stile- (Francese “Grand maniere”, Le style Louis Quatorze) - lo stile artistico di uno dei periodi più vivaci della storia della Francia, l'“età dell'oro” dell'arte francese nella seconda metà del XVII secolo.
Associato al regno di re Luigi XIV (1643-1715), da cui il nome. Questo stile combina elementi del classicismo e del barocco. Con la sua struttura figurativa, il “Grande Stile” esprimeva le idee del trionfo del potere reale forte e assoluto, dell’unità nazionale, della ricchezza e della prosperità, da qui il suo epiteto Le Grand.
Nel 1643, l'erede al trono di cinque anni, Luigi XIV, divenne capo della Francia e sua madre, la regina Anna d'Austria, divenne reggente. La politica fu determinata dal primo ministro, l'onnipotente cardinale Mazzarino. Nonostante l'odio del popolo per il cardinale italiano e l'avversione per la "regina austriaca", l'idea della necessità di un potere assoluto duraturo come condizione indispensabile per lo sviluppo della nazione francese e l'unificazione del paese ha radunato le menti più importanti di il tempo - politici, nobiltà, scrittori e artisti - attorno al trono. Nel 1655, durante una riunione del parlamento, il giovane re pronunciò la famosa frase: "L"Etat, c"est moi!" (“Stato, sono io!”). E i cortigiani, non senza lusinghe, ovviamente, lo soprannominarono "Roi Soleil" - "Re Sole" (che risplende sempre sulla Francia). Ministro delle Finanze del “Re Sole” J.-B. Colbert “supervisionò” lo sviluppo dell'architettura e le attività delle Accademie. Nel 1663 Colbert organizzò l '"Accademia delle iscrizioni", appositamente per comporre iscrizioni per monumenti e medaglie che glorificavano il re. L'arte è stata dichiarata una questione di stato. Agli artisti furono date istruzioni dirette per glorificare il potere reale illimitato, indipendentemente dai mezzi.
Il “Big Style” avrebbe dovuto riflettere i nuovi ideali dell’assolutismo. Non poteva che esserlo Classicismo, associato alla grandezza degli antichi greci e romani: il re francese fu paragonato a Giulio Cesare e Alessandro Magno. Ma il classicismo rigoroso e razionale non sembrava sufficientemente magnifico per esprimere il trionfo di una monarchia assoluta. In Italia a quel tempo dominava lo stile Barocco. Pertanto, è naturale che gli artisti francesi si siano rivolti alle forme del moderno barocco italiano. Ma in Francia il barocco non poteva svilupparsi dall’architettura del classicismo con la stessa forza che in Italia.
Fin dall'epoca Rinascimento francese XVI secolo in questo paese furono stabiliti gli ideali del classicismo, la cui influenza sullo sviluppo dell'arte non si indebolì fino a quando fine XIX secoli. Questo è caratteristica principale"Stile francese". Inoltre, le forme classiciste si radicarono su un terreno diverso rispetto a quello italiano, dalle forti tradizioni nazionali dell'arte romanica e gotica. Questo spiega solo perché singoli elementi, e i principali principi formativi dell'arte dell'era di Luigi XIV rimasero le idee del Classicismo. Pertanto, nella progettazione delle facciate degli edifici, è stato preservato il rigoroso ordine classicista delle pareti, ma erano presenti elementi barocchi nei dettagli del design degli interni, nei tralicci e nei mobili.
L'influenza dell'ideologia statale fu così grande che da quel momento in poi le singole fasi dello sviluppo dell'arte in Francia iniziarono a essere designate con i nomi dei re: lo stile di Luigi XIV, lo stile di Luigi XV, lo stile di Luigi XVI . L'usanza di questo nome fu successivamente invertita fino a prima del regno di Luigi XIV. Un'altra caratteristica importante dell'epoca fu che fu in Francia, nella seconda metà del XVII secolo, che prese forma il concetto stesso di stile artistico. Prima di allora, in Italia, le idee del Classicismo, che cominciavano appena a prendere forma, furono subito soppiantate dal Manierismo e dal Barocco.
Il classicismo come movimento artistico prese forma in Francia e da allora non a Roma, ma a Parigi, iniziò a dettare la moda nell'arte e il suo ruolo non si indebolì nei successivi secoli XVIII, XIX e XX. Per la prima volta nella storia, in Francia durante l'era di Luigi XIV, lo stile cominciò a essere riconosciuto come la categoria più importante dell'arte, dell'estetica e divenne la norma della vita, della vita quotidiana e della morale, permeando tutti gli aspetti dell'etichetta di corte ( parola apparsa anche alla corte di Luigi XIV). Insieme alla consapevolezza dello stile arriva l’estetizzazione dei singoli elementi formali, la coltivazione del gusto e il “senso del dettaglio”. Questa caratteristica è diventata una tradizione, che nel corso di diversi decenni ha creato uno speciale “senso della forma”, una cultura plastica e una sottigliezza di pensiero inerenti specificamente alla scuola francese. Ma questa cultura non si sviluppò facilmente. Inizialmente, l'ideale rinascimentale di una forma olistica, statica ed equilibrata (un po' scossa dall'arte del Manierismo e del Barocco) fu sostituito dall'idea dell'estetizzazione delle "delizie casuali" e dei mezzi individuali per raggiungere la bellezza: linea, vernice, consistenza del materiale. Al posto della categoria di composizione (compositio), proposta dall'architetto e teorico italiano L. B. Alberti, viene introdotto il concetto di “composto misto” (lat. mixtum compositura). Questa frammentazione ebbe inizio con gli artisti manieristi italiani che lavorarono alla corte di Francesco I e poi di Enrico II alla scuola di Fontainebleau. I loro studenti francesi, che lavoravano nei conti e nei castelli reali lungo il fiume. La Loira e la stessa Parigi formarono gradualmente una cultura aristocratica della forma, che in seguito risplendette nello stile rococò del XVIII secolo, ma diede i suoi primi frutti nel XVII secolo. “Forse l’influenza dell’arte francese sulla vita degli strati superiori europei, compresa la società russa, fu più forte nel XVIII secolo, ma le basi della Supremazia francese, i costumi, la moda, i piaceri furono senza dubbio stabiliti dai tempi del “Re Sole”.
Non è un caso che la seconda metà del XVII secolo sia definita “il periodo più brillante della storia francese”. Le parole più comuni, spesso ripetute nelle memorie e nei trattati estetici dell'epoca: grande, grandiosità, lussuoso, festoso... Probabilmente, lo splendore dello stile dell'arte di corte creava davvero l'impressione di una “eterna celebrazione della vita”. Secondo la famosa giornalista Madame de Sevigne, la corte di Luigi XIV era sempre “in uno stato di piacere e di arte”... Il re “ascolta sempre qualche tipo di musica, molto piacevole. Parla con le dame abituate a questo onore... I festeggiamenti continuano tutti i giorni e a mezzanotte. Nel “brillante XVII secolo”, stile, etichetta e maniera divennero una vera e propria mania. Da qui la moda degli specchi e delle memorie. Le persone volevano vedersi dall'esterno, diventare spettatori della propria posa. La fioritura dell'arte della ritrattistica di corte non tardò ad arrivare. Il lusso dei ricevimenti di palazzo stupì gli inviati delle corti europee.
Nella Grande Galleria della Reggia di Versailles, migliaia di candele erano accese, riflesse negli specchi, e gli abiti delle dame di corte erano “così pieni di gioielli e d’oro che difficilmente potevano camminare”. Nessuno degli stati europei osò competere con la Francia, che allora era all’apice della sua gloria. “Big Style” è apparso al momento giusto e nel posto giusto. Rifletteva accuratamente il contenuto dell'epoca, ma non il suo stato attuale, ma lo stato d'animo delle menti. Il re stesso aveva poco interesse per l'arte, intraprese guerre senza gloria che esaurirono la forza dello stato. E le persone sembravano cercare di non notarlo, volevano apparire come apparivano a se stesse nella loro immaginazione. Che arroganza! Studiando quest'epoca, si ha la sensazione che i suoi più grandi artisti fossero sarti e parrucchieri. Ma nel tempo, la storia ha rimesso ogni cosa al suo posto, preservando per noi le grandi opere di architetti, scultori, disegnatori e incisori. La mania dello stile e della “grande maniera” francese si diffuse rapidamente in tutta Europa, superando le barriere diplomatiche e governative. Il potere dell'arte si rivelò più forte delle armi e Berlino, Vienna e persino la primitiva Londra capitolarono.
In Francia ci sono stati 16 re con il nome Louis, ma gli ultimi tre hanno lasciato il segno nel design degli interni: Luigi XIV, Luigi XV e Luigi XVI. Interi stili prendono il nome da loro: gli stili Louis o Louis con il numero di serie corrispondente.
Durante il regno del Re Sole, la Francia divenne non solo una grande potenza, ma anche un precursore nell'architettura e nel design degli interni, relegando l'Italia in secondo piano. Sfarzo e grandiosità contraddistinguono tutto ciò che fu creato in quel periodo: architettura, interni e mobili. Forse proprio per questo lo stile Luigi XIV è amato dal potere?
Luigi XIV (regno 1643-1715). Il lungo regno di Luigi XIV, durato 72 anni, avvenne durante l'era barocca. Durante il suo regno fu costruita Versailles e fu allestito il Parco di Versailles. È proprio Luigi XIV che si intende innanzitutto quando si parla di “stile Luigi” degli interni (è chiamato anche “stile grand Louis”, si basa sul classicismo e comprende elementi barocchi). King, apparvero lampadari di cristallo, cornici lussuose intagliate e dorate e l'amore per giocare con lo spazio usando gli specchi.
Luigi XIV
A. Coypel, Allegoria della gloria di Ludovico XIV
Luigi XIV, soprannominato il Re Sole per lo splendore e lo splendore di cui si circondava questo monarca e che accompagnarono il suo regno. Luigi XIV patrocinò artisti, poeti, drammaturghi e compositori, quindi il suo regno divenne un periodo di fioritura senza precedenti della cultura francese.
Il castello di Vaux-le-Vicomte (1658-1661) costò la libertà e la fortuna al suo proprietario, il finanziere Luigi XIV: quando il re geloso vide la lussuosa tenuta, mandò immediatamente Fouquet in prigione e confiscò il castello.
N. Poussin, Danza alla musica del tempo, 1636
Luigi XIV sognava di esaltare il suo regno costruendo un grandioso complesso di palazzi, senza eguali in splendore non solo in Francia, ma in tutta Europa. Questo sogno divenne l'ossessione del re, che realizzò per molti anni, a seguito della quale il famoso palazzo e insieme del parco apparvero vicino a Parigi - a Versailles, che oggi è chiamato il "Museo Nazionale dei Palazzi di Versailles e Trianon".
Il Palazzo di Versailles fu costruito dalla stessa squadra di Vaux-le-Vicomte. L'ordine del re "come quello di Fouquet, ma più fresco" fu eseguito esattamente. André Charles Boulle, maestro di corte di Luigi XIV, passò alla storia come il più famoso (e ora costoso) ebanista e creatore dello stile "intarsio Boulle".
Mobili in stile Luigi XIV
Rococò e Neoclassicismo (1715-1800) Anche i successivi Luigi (XV e XVI) diedero alla Francia il proprio stile: rococò giocoso e florido nel primo caso, neoclassicismo più rigoroso e sobrio nel secondo. Anche la fragile e capricciosa regina Maria Antonietta, con il suo amore per la natura e la vita “semplice”, è riuscita a lasciare un segno nella storia dell'arredamento. Maria Antonietta finì male, ma lasciò di sé un buon ricordo.
Luigi XV. Ritratto di van Loo, (regno 1715-1774)
Luigi XV non era molto musicale, non incoraggiava molto la musica, gli piacevano la scultura e la pittura, ma si dedicò all'architettura con vera passione.Sotto gli auspici di Luigi XV, la Place Louis XV (oggi Place de la Concorde), una una delle piazze più grandi e belle d'Europa, che ha cambiato molti nomi. Dapprima fu la sede di Luigi XV, poi della Rivoluzione, poi della Concorde, poi ancora di Luigi XV, poi di Luigi XVI, ancora per la terza volta di Luigi XV, e nel 1830 ancora e ancora oggi è Place de la Concorde Nel 1748, il prevosto di Parigi ordinò allo scultore Bouchardon una statua di Luigi XV in onore del recupero del “Re amato”. Sono iniziate le controversie sull'ubicazione del monumento. Il vincitore fu il progetto dell'architetto Gabriel, che prevedeva l'utilizzo della vasta spianata tra i Giardini delle Tuileries e gli Champs Elysees, il luogo delle passeggiate campestri dell'aristocrazia. Proprio da lì cominciava la strada per Versailles: il 30 maggio 1770, sulla piazza si tenne un ballo con un grandioso spettacolo pirotecnico in onore del matrimonio del delfino Luigi (il futuro Luigi XV1) con la principessa austriaca Maria Antonietta. L'unico ingresso alla piazza dalla città a quel tempo era la Royal Street ancora incompiuta (dalla chiesa della Madeleine); e le carrozze che ne uscivano cadevano sotto i torrenti di vino che zampillavano dalle fontane. Uno dei razzi, lanciato male, cadde su un arco intrecciato con fiori di carta, e l'intero tempio di Imene, costruito con stecche e fiori, prese fuoco. Iniziarono il panico e la fuga precipitosa. Il giorno dopo questa “passeggiata”, furono raccolti dalla piazza 133 cadaveri. Per un mese si tenne lì una fiera, anch'essa finita con un incendio.
Ragne Nicolas-Jean-Baptiste
Nel 1792, la statua del re fu gettata dal piedistallo e mandata a fondersi per ricavarne dei cannoni. "Libertà, libertà! Quanti crimini sono stati commessi in tuo nome!", disse Madame Rolland, salendo sul patibolo installato accanto al piedistallo della statua distrutta del re. La ghigliottina fu presto trasferita in Place Carrousel, dall'altra parte dei giardini delle Tuileries, ma il 21 gennaio 1793 fu riportata qui appositamente per l'esecuzione di Luigi XVI, affinché nessuno sentisse le ultime parole del re, il L'ex paggio Louis de Beaufranche, figlio naturale di Luigi XV e cortigiano, comandò l'esecuzione. I ballerini, cioè lo zio del re giustiziato, ordinarono ai tamburini di battere il ritmo senza fermarsi, "finché la testa di Sua Maestà non cade nel cestino." Questa volta, la ghigliottina, che in precedenza aveva cambiato posto abbastanza spesso, rimase qui per 13 mesi, anche se fu portata via più volte per due o tre giorni in diverse parti di Parigi. E il 9 Termidoro 1794, lei prese il suo posto per l'ultima volta. Questa volta i sostenitori di Robespierre salirono uno dopo l'altro sul patibolo. In totale, durante gli anni della rivoluzione furono decapitate 2.498 persone. Di queste, 1.119 sulla piazza della Concorde. Oltre al re, Marie Qui furono giustiziati Antonietta, il grande chimico Lavoisier, poi gli stessi giacobini Hebert, Robespierre, Saint-Just... Nel 1799, al centro di Place de la Concorde, Napoleone volle collocare la Colonna della Nazione su un luogo vuoto piedistallo, poi su questo piedistallo fu posto l'Obelisco di Luxor nel 1836. Questo è il più antico dei monumenti di Parigi (dell'epoca di Ramses II, cioè del XIII secolo a.C.).
Il suo regno cadde nell'era rococò nell'arte. Luigi XV apprezzava particolarmente il comfort e la praticità nel design degli interni, che si riflettevano nel cosiddetto stile Luigi XV. Fu sotto di lui che apparvero sedie davvero comode: l'altezza del sedile scese al solito 35-38 cm dal pavimento per una poltrona e 45 cm per una sedia. E gli schienali delle sedie divennero inclinati anziché dritti. L'era di Luigi XV è l'era dei bellissimi tessuti, degli ornamenti intricati e della moda per i "cinesi". Inoltre, in epoca rococò entrarono in uso eleganti tolette.
nello stile di Luigi XV
Ritratto di Marie Elisabeth Louise Vigée-Lebrun
Antonio Watteau
Petit Trianon con interni in stile Maria Antonietta.
Le acconciature delle donne sono molto intricate. Sono di moda gli spilli traforati mobili: "ziternadel" (dal tedesco zittern - tremare e nadel - spillo). Aigrette asimmetriche (copricapo piumato, dal latino - Egretta, un genere di aironi bianchi), piume aggraziate e talvolta farfalle luminose. Apparvero i “Port bouquets” (gioielli “vasi” per mazzi di fiori freschi). Gli uomini non rimasero indietro, decorando vari ordini, fibbie di vestiti e scarpe, manici di spade e molti portachiavi con diamanti.
Luigi XVI (regno 1774 - 1793, giustiziato durante la Rivoluzione) Luigi Ferdinando era sovrappeso, molto goloso, poco allettante, non amava la morale frivola, i giochi e i balli, anche la caccia non lo interessava. Ma suonava volentieri l'organo e cantava corali.
Louis Jean Francois Lagrenée
Lo stile Luigi XVI pone l'accento sul senso delle proporzioni in ogni cosa: sofisticati tendaggi classici, mobili dalle proporzioni rigorose e aggraziate. Sotto Luigi XVI apparve ed entrò in uso una sedia con lo schienale a medaglione.
Joseph-Siffred Duplessis.Ritratto di Luigi XVI
Lo stile Luigi XVI negli interni è un esempio lampante di neoclassicismo nel design e nell'architettura. La sua formazione fu significativamente influenzata dagli scavi di antiche città, che restituirono le antiche tradizioni greche e romane ai palazzi francesi. La miscela di antiche tradizioni classiche nell'architettura con il rococò era incarnata nell'aspetto di questo stile. Come conseguenza del ritorno della moda all'antichità, gli interni sotto Luigi XVI e Maria Antonietta divennero più sobri e le forme più semplici.
salone in stile Luigi XVI
La moda del classicismo estinse il rococò sfrenato e pretenzioso, ma non del tutto. Di conseguenza, si può osservare la diversità negli oggetti interni - linee dritte e rigorose - le gambe di sedie, armadi e armadietti sono ammorbidite dalle testiere arrotondate di letti, sedie, poltrone e divani. L'ovale è la figura più popolare nella maggior parte degli elementi di design degli interni in stile Luigi XVI. Questa forma è stata utilizzata nella progettazione di tavoli, specchi e altri mobili. I colori predominanti sono chiari, pastello, con un uso moderato della doratura: veniva usata per decorare rifiniture, angoli e maniglie. I temi decorativi intrecciano due temi: elementi classici antichi (ghirlande di alloro, mascheroni, personaggi di miti antichi) e motivi pastorali e provinciali introdotti nello stile da Maria Antonietta (un mazzo di fiori, spighe di grano, nastri e oggetti domestici rurali). Lo stile Luigi XVI ebbe un'influenza significativa sullo sviluppo dell'interior design dell'epoca e rimase popolare fino al XIX secolo.
Napoleone I
Stile impero (1800-1820) L'atteggiamento aggressivo di Napoleone I si manifestò non solo in numerose campagne militari, ma anche nell'inculcare lo spirito imperiale nell'architettura e negli interni. Severo e marziale, lo stile Impero si ispira alle grandi civiltà del passato: Grecia antica, Roma e l'Egitto.
Impero (Impero in stile francese - "stile imperiale") è lo stile del tardo (alto) classicismo nell'architettura e nelle arti applicate. Ha avuto origine in Francia durante il regno dell'imperatore Napoleone I; sviluppato durante i primi tre decenni del XIX secolo; fu sostituito da movimenti eclettici.
L'Arco di Trionfo Carrousel (1809) fu costruito in onore delle vittorie dell'esercito napoleonico. I principali architetti dello stile Impero - Percier e Fontaine - lo decorarono con una copia della quadriga di Costantino I a Venezia e bassorilievi che illustravano le battaglie di Napoleone.
Lo stile Impero è la fase finale del classicismo. Nella Francia imperiale, lo stile Impero si distingueva per la solennità e lo sfarzo dell'architettura commemorativa e degli interni dei palazzi creati dagli architetti di corte di Napoleone Charles Percier e Pierre Fontaine
Il Palazzo di Compiègne non fu l'unica residenza di Napoleone, ma è qui che gli interni imperiali sono meglio conservati.
“Ritratto di Madame Récamier” di Jacques-Louis David, 1800
Madame Récamier non fu solo una bellezza e una dama di società, ma anche la progenitrice del divano Récamier.
Durante il periodo di massimo splendore dello stile Impero, i diademi erano molto apprezzati, sia preziosi che più modesti, sotto forma di corone di alloro dorate o ghirlande fatte di spighe di grano o foglie di quercia. I cammei continuarono ad avere una grande importanza (non solo quelli antichi, ma anche quelli di epoca successiva).
F.S. Gerardo: Giuseppina di Beauharnais, imperatrice. 1808
Quando Napoleone divenne imperatore, il periodo delle libertà rivoluzionarie finì nel nulla e, sebbene la silhouette generale fosse preservata, le donne iniziarono ad esporsi molto meno e la scollatura si insinuò. Più vicino al 1804, l'abito si chiude fino al collo, appaiono le maniche e lo strascico scompare completamente. Qualche anno dopo, la gonna fu leggermente accorciata. C'è una storia ben nota su come Napoleone notò una bellissima giovane donna con un abito molto audace. La chiamò ad alta voce fuori dalla folla e disse minacciosamente: "Signora, è spogliata, vada a vestirsi!" Il periodo dell'Impero introdusse sete e velluti pesanti, enormi ornamenti antichi e ricami dorati sugli strascichi degli abiti: il loro design fu sviluppato per l'incoronazione di Bonaparte.
Franz Xaver Winterhalter Napoleone III
Secondo Impero (1850-1870) Napoleone III non era interessato alla decorazione quanto suo zio. Sebbene non riconoscesse il pluralismo in politica, lo tollerò pienamente in architettura, il che portò alla comparsa di edifici così diversi come il magnifico Teatro dell'Opera e la metallica Gare du Nord. Grand Opera: nel 1861, presentando il progetto all'imperatrice Eugenia, l'architetto Charles Garnier rispose con ingegno alla sua domanda sullo stile dell'edificio: “Questo è lo stile di Napoleone III!” Il teatro fu inaugurato nel 1875, quando Napoleone III era già stato rovesciato.
scala principale
Sotto di lui, il barone Haussmann effettuò una ricostruzione su larga scala di Parigi. Pochi mesi dopo l’adozione della costituzione liberale del 1870, che restituì i diritti al parlamento, il governo di Napoleone fu messo fine dalla guerra franco-prussiana, durante la quale l’imperatore fu catturato in Germania e non tornò mai più in Francia. Napoleone III fu l'ultimo monarca di Francia.
L'imperatrice Eugenia, moglie di Napoleone III, diede il suo nome alle terme di Eugénie-les-Bains e ad una villa a Biarritz.
Il barone Haussmann rimodellò completamente la Parigi medievale, cosa che gli valse l'odio dei suoi contemporanei e la gratitudine dei suoi discendenti.
L'opera di pianificazione urbanistica del barone Haussmann nel XIX secolo, per conto di Napoleone III, determinò in gran parte l'aspetto moderno di Parigi. La riqualificazione della città prevedeva non solo lavori per modificare l'aspetto esterno della città, ma portò anche a un miglioramento delle infrastrutture di Parigi. La necessità di un cambiamento era attesa da tempo. Le autorità cittadine stavano pensando alla necessità di ricostruire il centro di Parigi, e cioè: migliorare gli argini della Senna e demolire le case costruite sui ponti. Durante gli anni di intenso sviluppo industriale della Francia e soprattutto di Parigi, la popolazione della città crebbe a un ritmo eccezionalmente rapido - in un secolo la popolazione aumentò di cinque volte - da 0,55 milioni nel 1800 a 2,7 milioni nel 1901. In alcuni quartieri la densità di popolazione ha raggiunto le 100.000 persone per km². La città si rivelò non destinata a un numero così elevato di abitanti: una rete di strade strette e tortuose, densamente edificate di edifici, rendeva difficile traffico, e le cattive condizioni sanitarie portarono a frequenti scoppi di epidemie, che, a loro volta, portarono i ricchi parigini a lasciare la città e a trasferirsi nelle periferie a nord e a ovest, e il centro della capitale si trasformò in un quarto dei poveri, anche soggetto a frequenti disordini sociali.
Per eliminare questi problemi era necessaria una profonda ristrutturazione: i piani dell'imperatore includevano non solo il miglioramento dei collegamenti di trasporto, il sistema sanitario parigino e il miglioramento delle condizioni di vita delle classi inferiori, ma anche l'aumento della sua autorità tra i parigini. Inoltre, viali ampi e ben visibili facilitavano lo svolgimento delle parate militari e rendevano più difficile bloccare le strade con barricate in caso di un'altra rivoluzione.
Un giorno dopo la resa di Napoleone III, a Parigi iniziò la Rivoluzione di settembre, che rovesciò il governo dell'imperatore. Liberato dalla prigionia dopo la conclusione della pace, andò in Inghilterra, dove visse fino alla fine dei suoi giorni.
Manifesto per l'Esposizione Universale di Parigi del 1900
Art Nouveau (1890-1910) L'Art Nouveau francese era solo una parte del movimento contro la riproduzione di vecchi stili che invase l'Europa alla fine del XIX secolo, ma poi fu ufficialmente riconosciuto all'Esposizione Mondiale di Parigi nel 1900.
La Torre Eiffel, simbolo dell'Esposizione Mondiale di Parigi del 1889 e l'edificio più scandaloso della storia, non ha curve delicate, ma nello spirito corrisponde alla “nuova arte”: al centro c'è la stessa passione per l'utilizzo delle tecnologie più moderne conquiste del progresso come le strutture metalliche.
Vaso Daum, 1897
Hector Guimard si inserisce saldamente nella storia dell'Art Nouveau con la progettazione degli ingressi della metropolitana parigina (1899-1904), che diventano i “biglietti da visita” di Parigi.
spille del gioielliere Wilhelm Lucas von Cranach.
Uno dei migliori esempi di Art Nouveau, Villa Majorelle a Nancy (dal nome del proprietario, un famoso ebanista) fu costruita da Hector Guimard e Henri Sauvage.
Capolavoro Art Déco: stazione della metropolitana Mayakovskaya
Art Déco (1920-1940) Negli anni '20, i motivi floreali e le linee fluide dell'Art Nouveau furono sostituiti da un Art Déco rigoroso e geometrico, più in linea con l'era dei treni ad alta velocità, dei transatlantici e degli aeroplani. E, come al solito, i francesi erano davanti agli altri. Il transatlantico Normandy (1931) divenne un trionfo dell'Art Déco: lavorarono sulla nave i migliori maestri stile (Lalique, Dunant, Dupas e altri).
Demetrio H. Chiparus
Renè Lalique
Modernismo (1920-1960) Logica continuazione dell'Art Déco, questo stile si sovrappone parzialmente ad esso nel tempo, ma si distingue per una funzionalità ancora maggiore, l'assenza di decorazioni ricche e l'uso di materiali moderni invece del bronzo e del legno costoso. Le Corbusier è il fondatore del modernismo e in generale uno dei principali architetti del XX secolo.
Il lavoro di Pablo Picasso (qui - “Woman in a Chair”, 1937) e Georges Braque ha fortemente influenzato lo sviluppo del modernismo in altri settori.
Provenza (anni '90) I paesaggi della Provenza hanno dato i loro colori - blu, turchese, lavanda, ocra, oliva - agli interni locali.
Vincent Van Gogh. “Vigneti rossi ad Arles”, 1888
Gli elementi di design moderno sono abbastanza accettabili in un interno provenzale, l'unica condizione sono colori e materiali naturali. La cucina dovrebbe essere grande e confortevole, piena di tutti i tipi di utensili in rame, pentole di terracotta e barattoli di spezie.
Bohemian chic (anni 2000) Sebbene questo stile non sia ufficialmente consacrato nei libri di consultazione, riteniamo che sia quello più amato dai francesi. Vale la pena imparare da loro la facilità con cui mescolano il costoso con l’economico, design moderno con oggetti d'antiquariato, arte con souvenir etnici, alto con divertimento. La cosa principale è non aver paura di esagerare. Tipico chic bohémien: una chaise longue vintage appartenuta a Colette, un tappeto di design della Galleria Nilufar, molta arte ed etnicità - e tutto questo in un appartamento borghese parigino con stucchi.
I mobili del duo di scultori Claude e François-Xavier Lalanne (qui: il tavolo del rinoceronte) sono diventati un attributo indispensabile dello chic bohémien. Ovviamente per chi se lo può permettere. Vale milioni.
La presentazione è stata fatta per la lezione "Classicismo" secondo il corso di Emokhonova (MHC 11° grado). Ma questo materiale può essere utilizzato nelle lezioni di storia generale e nell'istruzione aggiuntiva. Contiene un gran numero di illustrazioni. Progettato per gli studenti delle scuole medie e superiori. L'autore lo utilizza con successo nelle lezioni da diversi anni.
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Classicismo: l'arte del classicismo, lo stile gran reale di Luigi XIV Piano di lezione Cos'è il classicismo? Cos'è lo stile Grand Royal? Principali architetti del classicismo francese Il Re Sole come opera d'arte Artisti del classicismo francese Tutto il Seicento... Conclusioni... Mettiamoci alla prova? La presentazione è stata fatta dall'insegnante della scuola MHC GBOU 1164 Geraskina E.V. Mosca
Il classicismo è il secondo sistema di stile del XVII secolo e come stile è nato in Inghilterra e in Olanda (paesi in cui hanno avuto luogo le prime rivoluzioni borghesi). Ma il classicismo assume un significato speciale in Francia. Il risultato della lotta brutale e sanguinosa contro il separatismo feudale per il potere centralizzato fu la vittoria dell’assolutismo. La religiosità fanatica è sostituita dalla “fede senza eccessi”, che ha predeterminato ogni ulteriore sviluppo della cultura.
Le esigenze dell'assolutismo per l'arte... I nuovi ideali di statualità richiedevano dall'arte forme tali che sarebbero state associate alla grandezza dei sovrani degli antichi greci e romani. Tuttavia, il rigoroso (razionale) classicismo inglese non sembrava abbastanza magnifico da glorificare Luigi XIV, il “Re Sole”. Pertanto, architetti e artisti francesi si rivolgono alle forme stravaganti e sofisticate del barocco italiano.
“Grande Stile Reale” La differenza principale: unisce il rigore delle forme classiche nell'architettura e nell'arte del paesaggio con lo sfarzo del barocco nella decorazione degli interni. Realizzata in modo più vivido: Versailles (1624-1687) - la residenza di campagna preferita del re Luigi XIV.
Versailles Louis Leveau (1612-1670) L'antico palazzo di caccia di Luigi XIII fu ampliato e, secondo le tradizioni del classicismo, il suo asse centrale fu evidenziato dai portali della facciata e del giardino. Lungo i tre viali radiali dall'ingresso principale orientale, i potenti di questo mondo giungevano al palazzo da Parigi, Saint-Cloud e So. La cultura di corte del periodo di Versailles amava queste sfumature e l'insieme di Versailles veniva utilizzato come sfondo teatrale allo scopo di magnificare il monarca.
Versailles – Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) Il palazzo fu ampliato grazie ad ampliamenti. La galleria degli specchi collegava le camere di stato del re e della regina e formava una facciata del parco. La facciata del parco conferiva a Versailles la severità classica: la predominanza delle linee orizzontali, una cosa sola Tetto a terrazza Corrispondenza delle dimensioni esterne dell'edificio alla dimensione delle camere interne.
Versailles del giardiniere-pianificatore Andre Le Nôtre (1613-1700) “IL PARCO È un'architettura verde cerimoniale” Caratteristiche di uno dei primi parchi regolari: 1. La presenza di una recinzione esterna, 2. L'uso di terreno pianeggiante, 3. Divisione assiale dell'area da un ampio viale centrale con piantagioni simmetriche lungo entrambi i lati. 4. Gli elementi obbligatori del parco sono prati erbosi e aiuole. 5. Canal Grande, enormi bacini artificiali 6. Tralicci di tasso potati, vicoli radiali e panorami lontani. 7. Per intrattenere un numero enorme di ospiti.
I serbatoi piatti fungono da specchi giganti che duplicano lo spazio, mentre i vicoli radiali lo espandono visivamente all’infinito. Il vicolo assiale, che parte dalla facciata del parco del palazzo e passa nel Canal Grande, crea l'impressione di profondità sconfinata e di eccezionale grandiosità del parco, esprimendo l'idea dell'inaccessibilità della persona reale. Il vicolo centrale, che lascia il palazzo in direzione ovest, “assorbe” altri vicoli e “sfocia” nel Canal Grande, come se tutte le foreste, i campi e le acque del paese potessero apparire davanti al sovrano nel modo prescritto .
Rituali del "Signore della Natura" In una giornata invernale, il re uscì con il suo seguito al parco e si scoprì che i parterre floreali erano profumati di fiori freschi (ecco perché tutti i fiori a Versailles erano piantati in vasi ; era più conveniente sostituire quelle appassite). Si scoprì che la presenza del “Re Sole” fa rivivere le piante. Luigi XIV piantò personalmente i suoi garofani preferiti, i narcisi giunchiglia e le tuberose in vasi da fiori, che gli adulatori di corte sostituirono con garofani fioriti, assicurando che la sua influenza magica sulla natura permetteva alla pianta piantata di svilupparsi in un giorno.
Luigi XIV - il Re Sole e Apollo... Il simbolismo solare, che collega l'immagine del "Re Sole" Luigi XIV con il dio del sole Apollo, serviva agli stessi scopi. La disposizione regolare del giardino stesso riflette l'idea della ciclicità della natura, la cui vita proviene dal sole. I vicoli radiali sono associati ai raggi del sole. Anche tutte le sculture dei giardini e delle fontane di Versailles sono subordinate alla mitologia del sole. La Fontana dell'Apollo alla base del Canal Grande rappresenta il dio del sole che emerge dal mare su una quadriga, accompagnato da delfini e tritoni che soffiano le conchiglie. Il sole ricorda le statue allegoriche delle stagioni, dei giorni, dei personaggi dell'antica mitologia associati ad Apollo, come la cacciatrice Diana, sua sorella, o il giovane Giacinto, trasformato in fiore da Apollo.
simbolismo del palazzo Il simbolismo del palazzo, che occupa un posto centrale nell'insieme del palazzo e del parco di Versailles, tutti i suoi alloggi portavano l'impronta della “ritualità”. Il "santuario" principale del palazzo - la camera da letto del re - era situato sull'asse centrale est-ovest e aveva le finestre rivolte verso il sole nascente. Seguendo il sole, il “re sole” si spostava nelle sale di rappresentanza dedicate agli antichi dei Apollo, Venere e Marte. Gli eventi della giornata culminavano nella Galleria degli Specchi, dove si svolgevano le cerimonie di presentazione dei nobili al re, allestite come una magnifica rappresentazione teatrale in cui il re stesso suonava il primo violino.
Caratteristiche dell'arredamento interno di Versailles: prevaleva il tema del sole-Apollo, a ricordare l'esclusività di Luigi XIV. Enormi arazzi lunghi tutta la parete - verdures (dal francese Verdure - verde) raffiguranti paesaggi e scene di caccia duplicavano la vita della corte reale. I paralumi pittoreschi che raccontavano le gesta e le avventure degli dei suggerivano il tempo libero dell'onnipotente sovrano. Grandi specchi, che riflettevano l’insieme del parco, evocavano l’illusione di uno spazio infinito dove regna il “re sole”. Scultura simile all'antiquariato, bronzo, pavimenti e pareti in marmo multicolore, mobili preziosi intarsiati con tartaruga e madreperla: tutto questo lusso allontanava l'ambiente di vita il più lontano possibile dalla prosa della vita.
XVII secolo per la cultura mondiale 1. Uno dei periodi più significativi della storia della cultura. 2. Dopo il Rinascimento e prima dell'Illuminismo, ereditò molto dal primo e anticipò le scoperte del secondo. La caratteristica principale dell'epoca è lo sviluppo simultaneo di due principali sistemi stilistici: barocco e classicismo, in presenza di un concetto artistico significativo del secolo: il realismo
L'importanza della cultura del XVII secolo: per la prima volta l'arte oltrepassò i confini di un unico stile architettonico ampio e consolidato, come avveniva in passato. Il Barocco ha creato un'arte piena di movimento, energia e passione. Era posseduto da impulsi verso l'infinito, il trascendentale, l'affettuoso. Il classicismo del XVII secolo contrapponeva alle dinamiche spontanee del barocco l'ideale di equilibrio, regolarità e razionalismo.
Il significato della cultura del XVII secolo (2): Il realismo del XVII secolo, nato come reazione alla complessità e all'astrazione dell'arte degenerata del tardo manierismo, creò immagini in cui il mondo interiore di una persona e l'emotività l'ambiente che lo circondava si misurava non tanto sulla scala della vita quotidiana quanto su quella dell'eternità. Nel XVII secolo le culture nazionali europee, pur mantenendo la specificità locale, hanno raggiunto questo obiettivo alto livello comunità, che ha permesso di parlare della formazione di una cultura artistica mondiale unificata del secolo.
Domande e compiti 1. Quali caratteristiche indicano la “vita da giardino” del classicismo francese? Per rispondere, utilizzare le illustrazioni dell'attività n. 17 in cartella di lavoro. 2. Completa l'attività n. 18 nella tua cartella di lavoro. 3. Completa il compito finale per la sezione “Cultura artistica del XVII secolo” nel tuo quaderno di esercizi. 4. Attività del progetto. Trova le caratteristiche dell'estetica barocca nella realtà circostante. Come si manifesta nell'architettura, nell'arredamento, nelle rappresentazioni teatrali, nell'abbigliamento, negli accessori, nelle tipologie umane? Identifica le differenze nell'architettura dei giardini e dei parchi del Barocco e del Classicismo nella tua città, nel centro regionale, nelle tenute suburbane di San Pietroburgo e nell'Europa occidentale.
Lussuosi interni in “stile Luigi XIV”.
Gli interni dell'epoca di Luigi XIV acquisiscono, in contrasto con l'aspetto esterno degli edifici di quest'epoca, un carattere estremamente magnifico, solenne e cerimoniale. Adempiendo al loro ruolo sociale e storico, fungevano da sfondo ricco, rigoglioso e allo stesso tempo monumentale per le cerimonie e i rituali della vita di corte dell'epoca. La Francia durante questo periodo era lo stato più potente d'Europa. Il dittatore artistico dell'epoca, l'artista di corte Charles Lebrun, cercò di esaltare il suono maestoso della decorazione degli interni, introducendo nella decorazione marmi policromi in combinazione con bronzo dorato, rilievi e dipinti sul soffitto apparentemente spettacolari. Negli interni sono stati utilizzati elementi di ordine, principalmente pilastri e semicolonne, ma l'attenzione principale non è stata prestata all'accuratezza delle loro proporzioni, ma piuttosto alla finitura: rivestimento con marmi colorati. Il ruolo principale nella decorazione dei locali era svolto da pesanti cornici e dettagli plastici architettonici, che incorniciavano e decoravano singole sezioni di pareti, cornicioni e venivano posti sotto forma di desudeportes sopra le porte e sui paralumi. Gli esempi includono le decorazioni del Palazzo di Versailles, comprese le sale della Guerra e della Pace.
Il ruolo principale nel determinare lo stile dell'arte decorativa di questo tempo, come notato, apparteneva a Charles Lebrun, e nello sviluppo di campioni nel primo periodo del periodo di massimo splendore del barocco - l'artista Jean Lepautre.
I mobili del palazzo nello stile di Luigi XIV si distinguevano per la ricchezza e l'eccessiva saturazione del design, principalmente intagli, abbondantemente ricoperti di doratura. Oltre ai mobili con lavorazione intagliata, i mobili stanno diventando di moda "stile toro", in seguito intitolato al fabbro di corte Andre Charles Bulle (1642-1732). Di struttura abbastanza semplice, gli oggetti erano realizzati in legno colorato, prevalentemente ebano; erano abbondantemente decorati con cornici d'oronze riempite con inserti di tartaruga, madreperla e altri materiali, aste, rosette e altri dettagli. La base compositiva era costituita da pannelli con l'introduzione di figure umane incorniciate da ornamenti ritorti. I mobili di Bull, ricchi e raffinati, producevano allo stesso tempo una sensazione di una certa secchezza delle forme.
Dal 1680, i mobili realizzati in questo stile hanno acquisito una particolare raffinatezza nella decorazione, dovuta allo spostamento delle parti in legno con metallo lucido - bronzo dorato. Anche argento, ottone e stagno venivano usati nella decorazione.
Poltrone, sedie e divani, che in questo periodo si stavano diffondendo, hanno gambe a forma di S o piramidali che si rastremano verso il basso. Anche la forma dei braccioli diventa più complessa. Sedile morbido, schienale alto e in parte i braccioli sono ricoperti da vari eleganti tessuti da arazzo con immagini di alberi, fiori, uccelli e riccioli ornamentali. I tipi di sedie stanno diventando sempre più diversi, in particolare compaiono sedie con due sporgenze semicircolari laterali nella parte posteriore all'altezza della testa, soprattutto per gli anziani. Unendo tre poltrone interconnesse a cui mancano i braccioli della sedia centrale, nascono dei divani. Le cornici della loro schiena acquisiscono morbidi contorni ondulati.
In questo momento i mobili dell'armadio divennero più diffusi: tavoli di varie forme, console a muro, il più delle volte su gambe piegate, cassettiere, che sostituirono le cassapanche per riporre la biancheria. Ricchi intagli e dettagli in bronzo dorato sono ampiamente utilizzati nella decorazione. I mobili di questo periodo, pesanti e monumentali, acquisirono una grande diversità compositiva sia nel loro insieme che nei singoli elementi.
L'arte applicata della metà e della seconda metà del XVII secolo, come notato sopra, era di grande importanza per la decorazione degli interni. I locali furono decorati con arazzi, tappeti savoneri a pelo steso sul pavimento, tessuti di seta, tendaggi e tovaglie, argenterie, che nel tempo divennero sempre più diffuse e importanti.
CON fine XVII secolo, a causa del deterioramento della situazione economica del paese, compresa la corte reale, causato da fallimenti di natura militare e politica, l'estremo lusso delle decorazioni osservato alla corte di Luigi XIV cede il posto a una relativa moderazione. Negli interni vengono esaltati elementi di classicità.
